Com curadoria de Alfredo Puente, Em Bruto: Relações Comoventes consiste numa instalação de grandes dimensões que encontra novas expressões e promove novos diálogos com a arquitetura de cada vez que é mostrada. Partindo de uma estrutura complexa de traves, cavaletes, vigas e barrotes que convocam noções de reconstrução do espaço e da sua reconfiguração, a obra, agora repensada por Fernanda Fragateiro para o espaço do Museu CCB, ostenta títulos discretamente inscritos de obras assinadas por arquitetos e arquitetas que têm constituído referências importantes no percurso da artista. O resultado apresenta-se em forma de teia física, que é também uma teia de reflexões sobre o arquitetónico, a cidade, o espaço e a modernidade.
Mas, antes de se chegar à sala principal, atravessa-se uma outra, que, segundo a artista “é uma obra por si só”. Chama-se Materials Labs e trata-se “de uma obra aberta”, que vai crescendo à medida que Fernanda Fragateiro vai continuando o seu trabalho como escultora. São peças que reúnem, em mesas/caixas, materiais de proveniência muito diversa e entre os quais se incluem livros, artigos, mapas cromáticos, restos de materiais usados noutras obras, fotografias e manuscritos que contam a história do seu processo criativo.
“Na verdade, é um arquivo onde reúno uma série de referências e materiais de referência que foram importantes para construir determinadas exposições e determinadas esculturas, mas que, depois, se materializa da mesma forma que uma pintura. No fundo, é como se eu pintasse uma série de materiais que me interessam”, avança a artista.
A mostra expande-se depois para uma sala de leitura, onde os visitantes podem consultar os livros de arquitetura referidos na obra que visitarão a seguir. Após esta introdução, a exposição abre-se à instalação que, segundo Delfim Sardo, da direção do Centro Cultural de Belém, “é o corolário de um processo de diálogo com as questões políticas, sociais e formais da arquitetura com as quais a Fernanda Fragateiro tem vindo a lidar”.
Na última sala surgem então várias estruturas concebidas em madeira, carregadas de referências escritas, que evocam a ideia de construção. Sobre este trabalho, a artista revela: “A mim, o que me interessava enquanto escultora era trabalhar a ideia de processo, de uma construção que está em decurso e não uma obra acabada, finalizada, que depois fosse comercializável. Pretendia uma peça que nos interrogasse sobre como é que entendemos o que é matéria-prima, o que são materiais, o que é a construção, o que é ruína, o que é fragmento e também que nos interrogasse sobre a forma como nós nos relacionamos com essas matérias.”
Fernanda Fragateiro, artista plástica e escultora reconhecida pelo seu trabalho que transita entre as áreas da escultura, instalação e intervenção artística, tem-se destacado pelas suas obras site-specific, utilizando a arquitetura e o contexto como elementos fundamentais das suas criações, estabelecendo um diálogo entre a obra e o ambiente que a rodeia.
Em Bruto: Relações Comoventes pode ser visitada no agora denominado Museu CCB de terça a domingo, até 10 de setembro. A entrada no museu é gratuita no primeiro domingo de cada mês.
A poucos dias do início da 16.ª Jornada Mundial da Juventude (JMJ), a cidade prepara-se para receber mais de um milhão de peregrinos e voluntários que, para citar João Maia Abreu da Unidade de Missão da JMJ 2023, “vão pintar a cidade com as cores oficiais” (o vermelho, o verde e o amarelo) daquele que é um dos maiores eventos de sempre realizados na capital. As cores, evocação da bandeira portuguesa, são predominantes no logotipo desta JMJ, da autoria da designer portuguesa Beatriz Roque Antunes, que se inspirou no tema escolhido pelo Papa – Maria levantou-se e partiu apressadamente, passagem do Evangelho segundo São Lucas (Lc 1, 39) –, tendo a cruz como elemento central.
Sendo o ponto alto a presença do Papa Francisco, que chega a Lisboa a 2 de agosto, a JMJ é um evento religioso que, desde 1985, reúne milhões de católicos de todo o mundo, maioritariamente jovens. Lisboa, cidade escolhida pelo atual sumo pontífice, sucede à Cidade do Panamá, que acolheu o evento católico em 2019.
A JMJ inicia-se a 1 de agosto, terça-feira, com a Missa de Abertura, presidida pelo cardeal patriarca de Lisboa, D. Manuel Clemente, no Parque Eduardo VII, mas, uma semana antes, a 26 de julho, dá-se o arranque do processo de acolhimento dos jovens nas dioceses.
Em paralelo a toda a JMJ, decorre o Festival da Juventude, composto por eventos musicais e concertos, conferências, exposições, espetáculos de teatro e dança, sessões de cinema, uma feira vocacional e torneios desportivos em espaços dispersos de Lisboa e arredores. Destacam-se o Terreiro do Paço e a Alameda D. Afonso Henriques como dois dos grandes palcos do evento, cujo o acesso é gratuito.
Os eventos centrais da JMJ
A chegada do Papa Francisco a Figo Maduro, a 2 de agosto, está programada para acontecer pelas 10 da manhã, seguindo-se “a visita protocolar ao Palácio de Belém e as deslocações ao Centro Cultural de Belém e ao Mosteiro dos Jerónimo”, explicita João Maia Abreu em texto enviado à redação.
No dia 3, “acontece o primeiro ato oficial da JMJ” quando, pelas 17h45, se iniciar o primeiro encontro entre o Papa e os jovens na Cerimónia de Acolhimento, no Parque Eduardo VII, denominado ‘Colina do Encontro’, no âmbito da Jornada.
A 4 de agosto, no mesmo local, realiza-se a Via-Sacra, que simula o trajeto de Jesus com a cruz até ao Calvário. Antes, o sumo pontífice volta a Belém para, na Cidade da Alegria (Jardim Vasco da Gama), “confessar alguns jovens”. Até à chegada à Colina do Encontro, o Papa tem agendado um encontro com os representantes de centros de assistência socio-caritativa, no Centro Paroquial de Serafina, e um almoço com os jovens, na Nunciatura Apostólica.
No dia seguinte, e depois de visitar Fátima, o Papa Francisco dirige-se para a zona oriental de Lisboa para, no Parque Tejo (agora ‘Campo da Graça’), participar na Vigília, onde para além da oração conjunta com os jovens, se faz a Adoração ao Santíssimo Sacramento.
Domingo, 6 de agosto, também no Campo da Graça, tem lugar a Missa de Envio, uma celebração presidida pelo Papa para encerrar oficialmente a JMJ. Antes do final da Missa, o sumo pontífice anuncia a cidade que sucede a Lisboa no acolhimento da próxima Jornada Mundial da Juventude.
A agenda deste dia inclui ainda a deslocação do Papa ao Passeio Marítimo de Algés para um último encontro com os voluntários da JMJ, estando o regresso a Roma previsto para cerca das 18 horas.
Todas as informações úteis sobre a JMJ Lisboa 2023 podem ser encontradas no site oficial do evento, disponível aqui.
“Esta peça é completamente anticapitalista”, frisa o encenador João Mota, lembrando que Paul Claudel, vulto da literatura francesa e figura de múltiplas controvérsias, católico convicto e militante desde os 18 anos, abraçou a carreira diplomática na última década do século XIX, tendo desempenhado o cargo de vice-cônsul em Nova Iorque e Boston. Embora haja uma dimensão universal no modo como as personagens encarnam vários aspetos da existência humana – Mota considera mesmo que “elas se completam” –, o seu olhar sobre os Estados Unidos da América (EUA) marca indelevelmente a peça de teatro L’Échange, datada de 1894 e reescrita quase 60 anos depois.
A ação de A Troca decorre algures na costa leste dos EUA, na propriedade de um rico e poderoso empresário, Thomas Pollock (Hugo Franco), que mantém uma relação com a atriz Lechy Elbernon (Maria Ana Filipe). Esse local tranquilo à beira mar emprega os recém-casados Louis (Rogério Vale), um jovem mestiço de origem indígena, e Marthe (Maria Jorge), uma camponesa francesa que partiu para a América por amor ao marido.
A paz em que vive o casal é abalada com o regresso inesperado dos ausentes Thomas e Lechy. Tentado pelos seus sonhos e ambições desmedidas, Louis trai Marthe, envolvendo-se com Lechy. Por sua vez, o poder manipulatório de Thomas, para quem “o dinheiro é a única coisa que vale a pena”, abate-se sobre as mais profundas convicções de Marthe.
O olhar cáustico do europeu Claudel sobre a América torna-se evidente, desde logo, no personagem de Thomas Pollock. “Ele é uma representação evidente daquilo que são os EUA”, nota o fundador da Comuna. “A vida para ele é negócio, tudo é troca, e não é só o capital; são as almas, são os corpos”. O encenador não deixa de transportar esta imagem para a conjuntura internacional, lembrando o poder que os EUA exercem sobre a América Latina, subjugando-a desde há longas décadas aos seus interesses, e para aquilo que se está a passar na Ucrânia. “Odeio o Putin, mas é cada vez mais evidente que os EUA têm todo o interesse na guerra porque o negócio é o armamento.”
É quase impossível não ver em Thomas Pollock a encarnação mefistofélica que corrompe as almas de todas as outras personagens, comprando-as ou “propondo-lhes uma troca”. Tudo é, pois, transacionável no mundo concebido pelo capitalista (na primeira versão, é um proprietário rural; na segunda, pode muito bem ser um especulador de Wall Street), e só Martha, através do seu ascetismo, resiste e não cede, embora isso implique a via sacrificial. Louis é presa fácil pela sua ansia de liberdade e ambição pessoal; e Leche já foi capturada há muito tempo, restando deixar-se habitar pelas personagens que encarnou no teatro para se reencontrar com a verdade.
Esse encontro com a verdade através da arte de representar é um dos aspetos que fascinou Mota nesta incursão pela peça de Claudel. “A dada altura, a Leche clama pela sua nudez de atriz para se mostrar com toda a transparência. Ela diz que só é verdadeira quando representa num palco. Isso diz muito sobre o ator e sobre aquilo que é o teatro.”
Para além de ser “uma peça extraordinária e atual”, o encenador, recentemente homenageado pelo Festival de Almada pelos 65 anos de carreira, gosta de lembrar Claudel como “um grande poeta e, em A Troca, encontra-se uma musicalidade da palavra que é rara e que tentámos manter o melhor possível na tradução” [de Luís Vasco]. Até porque, “é essa musicalidade que leva à emoção”, amiúde tão avassaladora, “que há até quem chore com esta peça”, conclui.
Com estreia agendada para dia 12, A Troca está em cena até final de julho, sendo a temporada do espetáculo retomada em setembro, em datas ainda a anunciar.
Criado em 2018 pela editora independente Robalo (que, entretanto, evoluiu para associação) numa parceria com a Antena2, o Festival Robalo Antena2 prepara-se para a sexta edição. Durante cinco dias, o auditório do Liceu Camões recebe dez concertos de jazz e música improvisada contemporânea transmitidos em direto pela Antena2. Como nos conta Gonçalo Marques, programador do evento, “a ideia é divulgar os vários estilos dentro deste género musical. Pretendemos ter músicos de várias gerações, alguns de fora de Lisboa, e há também uma preocupação com a questão de género”.
Numa altura em que decorrem outros festivais de jazz, a maior preocupação da organização é promover o que é menos conhecido: “programamos música que achamos que é boa, por isso é natural que ela passe também noutros sítios, mas tentamos ter projetos que não estão ainda a rodar muito. Um dos objetivos da associação é proteger as pessoas que não têm tantas oportunidades, ou porque estão numa fase inicial da carreira, ou porque são esteticamente muito específicas. Queremos dar este estímulo inicial à criação para ajudar grupos que ou ainda estão muito no início ou que são quase de nicho.”
Apesar de haver várias nacionalidades de músicos dentro dos grupos, a maioria são portugueses, “não apenas de forma a proteger os músicos nacionais, mas também por uma questão prática. Claro que preferíamos que houvesse uma mistura maior de nacionalidades, como também gostávamos que houvesse maior mistura geracional. Temos mais músicos jovens, mas pessoalmente gosto muito da mistura entre músicos mais experientes e músicos mais novos”, afirma o programador.
“O jazz e a música improvisada
devem ser ouvidos ao vivo”,
sugere Gonçalo Marques
Passemos ao alinhamento. A iniciar o certame, logo no dia 17, há uma atuação do trio luso britânico Practically Married + João Pereira, que aproveita a ocasião para lançar um disco. Segue-se um concerto de Aurin, do guitarrista Simão Bárcia. Ainda dentro dos lançamentos de discos, no dia seguinte há concerto do projeto de João Carreiro, Samuel Gapp e João Sousa. Nesse dia, há ainda atuação do ensemble constituído por músicos da Robalo e da associação Porta Jazz.
A 19 de julho, destaque para Forget about Mars, da pianista Debora King e no dia seguinte, é tempo de ouvir o projeto da pianista catalã Clara Lai, o único totalmente internacional deste festival.
No último dia, o festival abre com os Mirakelhund, grupo do trompetista João Almeida, um quarteto com músicos dinamarqueses. A finalizar, o imperdível concerto de Beast, um projeto que junta músicos de várias gerações: o saxofonista americano John O’Gallagher, Samuel Gapp, Zé Almeida e João Lencastre.
O programador Gonçalo Marques deixa o convite: “o jazz e a música improvisada devem ser ouvidos ao vivo”. No entanto, quem não puder comparecer pode sempre ouvir em direto à emissão da Antena2. O que interessa é ficar ligado, até porque “muita da música que vai passar é irrepetível, não só pela sua natureza de música improvisada, mas também pelo facto de serem grupos que não são muito conhecidos – ou porque estão a começar, ou porque envolvem músicos estrangeiros.”
No cartaz da “peça-concerto” de Cristina Carvalhal e João Henriques, Da Felicidade, vê-se um sol altamente contrastado em fundo azul. Logo nos primeiros minutos do espetáculo, percebe-se como aquela imagem remete para o ambiente solar, alegre e feliz, da terra mítica de Hiperbórea, que os gregos acreditavam existir para lá de onde sopra o vento norte, sítio onde o sol não se põe e um povo, bafejado pela paz perpétua e pela longa vida, vivia sem o flagelo das doenças e implicações da velhice, nem sequer as agruras do trabalho duro. Hiperbórea era uma terra tão bela, próspera e feliz que as suas florestas ficaram conhecidas como o “jardim de Apolo” e os seus habitantes, em homenagem às aves que migravam para aquele lugar, se faziam representar por gansos.
Como que louvando os “hiperbóreos” (e para isso até se lançam os dados no tabuleiro do jogo do “ganso”, ou da glória), os atores/cantores Bruno Huca, Júlia Valente e Sílvia Filipe, ao lado do pianista Ariel Rodriguez, da contrabaixista Sofia Queiroz e do clarinetista José de Geus, vão construindo com as palavras de poetas (Pessoa, Sylvia Plath, Ana Luísa Amaral), de filósofos (Espinoza, Walter Benjamin, Maria Filomena Molder) ou de escritores (Clarice Lispector, Virginia Woolf), um evocação de utopia sobre o palco. E como cimento da felicidade em construção, as canções de Chico Buarque, Sérgio Godinho, Queen, Prince ou Rag’n’Bone Man entrecruzam-se com pequenas histórias e fragmentos pessoais, memórias de momentos passados de alegria e bem-estar.
O lado mais íntimo e pessoal surge naturalmente como resultado de um processo criativo “muito colaborativo”, como lembra Cristina Carvalhal. Todo este espetáculo foi “feito em permanente diálogo com os músicos e com os atores, num processo longo e intenso”. João Henriques fala mesmo de “algo inteiramente novo” no seu percurso artístico: “quando começámos havia apenas uma proposta e agora temos um espetáculo. É como ter nos braços um bebé.”
Uma proposta que, conta Cristina Carvalhal, nasceu “ainda em tempo de pandemia, da necessidade de celebrar, da necessidade de alegria e da consciência do que aquilo que é de facto essencial é o amor”. Ao lado de João Henriques, músico e compositor, “com quem muito queria trabalhar”, veio a vontade de criar um objeto envolvendo “o teatro, a literatura, a música e o canto.”
Assumindo a forma de um recital, ou como os próprios apelidam “uma peça-concerto”, Da Felicidade acaba por propor uma reflexão sobre o próprio conceito de felicidade onde, nas palavras de Henriques, “as canções, com arranjos novos, surgem para estruturar, para interromper e dialogar, e para cruzar” com as ideias da filosofia, da poesia, do romance. E com a beleza das palavras contadas ou cantadas, lá está presente a alegria do gesto, do abraço, do amor e da paixão ou, simplesmente, da vida.
Nem que seja por pouco mais de hora e meia, Da Felicidade faz-nos sentir hiperbóreos, e antes que soe a última canção, já algo nos diz que havemos de chegar à casa do ganso e terminar o jogo em beleza.
Um espetáculo feliz, em cena até dia 16, na Sala Mário Viegas do São Luiz Teatro Municipal.
A capa do livro reproduz uma imagem criada por Noé Sendas, nome que é referido no diário da protagonista. De quem foi a escolha da capa: sua ou da editora? Que significado tem para si esta imagem no contexto do livro: o de uma mulher à beira do abismo?
Talvez à beira do abismo. Seguramente desamparada, e num movimento solipsista. Sugeri que a capa fosse do Noé Sendas, e de entre algumas opções do seu trabalho, achámos que esta transmitia aquilo que queria que o livro tivesse. Há também um certo mistério e uma hibridez que ela tem, que penso que falam com o livro. Esta cabeça de Diana ou de Atena, de deusa da antiguidade clássica, e este corpo que parece pouco de carne, têm qualquer coisa de muito sugestivo para mim. E gosto de pensar que ela pode mergulhar no abismo, mergulhar em si própria, ou pode até mergulhar num delírio, num sonho. Dizendo isto já estou a trazer muitas coisas que são importantes para o livro, e que têm que ver com uma zona de fronteira muito flexível, resvaladiça. Não por acaso o livro termina com essa interrogação: e se tudo não tiver sido um delírio?
O romance é descrito como sendo autoficcional. Que distinção faz entre autobiografia e autoficção, e porque se decidiu por um destes registos relativamente ao outro?
Este autodenominado género autoficcional tem em escritoras como Annie Ernaux, Natalia Ginzburg, Joan Didion, Elizabeth Strout, algumas das vozes mais eloquentes. E depois há uma outra escritora de que falo também, e que não faz autoficção, mas que faz auto e hétero-biografia, que é a Svetlana Alexijevich. O que há percorrendo todas estas autoras é uma deriva entre aquilo que é autobiográfico e o que é ficcional. O que é a experiência do sujeito e o que pode ser uma experiência do coletivo. Eu optei por fazer um registo autoficcional porque quis trabalhar sobre uma base biográfica. E tendo eu um percurso público enquanto jornalista, sobretudo a partir do meu trabalho em televisão, amadureci muito cuidadosamente aquilo que queria mostrar e as zonas de sombra, ou mesmo de equivocidade em que queria deixar o leitor. Optei por adensar a ambiguidade ao invés de esconder o que podem ser elementos reconhecíveis. Escrevi grandemente o romance durante a pandemia e a doença, mas foi tão ou mais importante o trabalho que fiz o ano passado depois de uma longa gestação, e este trabalho também me ajudou a compreender que aquilo que eu queria fazer era mesmo trabalhar neste registo da autoficção.
É público o seu entusiasmo em relação à obra de Annie Ernaux, autora que chegou a conhecer pessoalmente. Em que momento se situa a leitura que fez da obra de Ernaux relativamente à escrita de O Quarto do Bebé?
Aquilo a que chamo de primeira pedra, e que é um trabalho de escrita, é anterior à Annie Ernaux. Depois partilhei o que tinha escrito, e que era ainda informe, com a Susana Moreira Marques, uma escritora que admiro muito, que dá cursos de escrita de não-ficção, ela mesma escreve nesse registo, e a Susana deu-me o La Place [Um Lugar ao Sol], Anne Carson, e outros livros, achando que iam ser úteis para mim. Foi o meu encontro com a Annie Ernaux. Depois quando construí o romance, com a enxertia de microficções, cartas, sonhos, isso foi tudo feito já depois de ler os livros da Annie Ernaux.
O livro abre com uma advertência, que conta a descoberta e a obsessão de uma mulher com o diário de uma paciente do pai, psicanalista morto recentemente. Essa mulher nunca mais será referida. Que presença ou identificação é suposto guardarmos ou estabelecermos com ela?
Gosto muito dessa ideia de o leitor pensar onde estará essa “filha do meu pai”. É assim que ela assina. A história dessa advertência e desse dispositivo é tratar-se de um recurso machadiano. Eu dialogo com vários autores ao longo do livro, mas aquele com quem dialogo mais é Machado de Assis, o autor que estudo. Nos seus últimos romances, Esaú e Jacó (1904) e Memorial de Aires (1908), os livros abrem justamente com uma advertência. E até a primeira frase [“Quando o meu pai morreu, achei-lhe na secretária uma série de cadernos manuscritos.”], e o verbo escolhido para essa frase, é um modo de me entranhar no Machado, porque o Esaú e Jacó diz qualquer coisa como “Quando o conselheiro Aires morreu, acharam-lhe na secretária sete cadernos ricamente encapados” tal e tal. Gosto muito dessa ideia de alguém no post mortem encontrar um legado, uma questão fundamental quando pensamos em filhos, é algo que me obceca a noção de legado que nós deixamos e alguém encontra. Há uma outra questão aqui que é a da autoria. Quem é verdadeiramente o autor daquilo que estamos a ler. Claro que, em última instância, os autores são o Machado de Assis e sou eu. Mas existem muitas camadas entre o que é um material encontrado, a ilusão de reconhecimento e identificação daquela pessoa, e depois o trabalho de edição de alguém que encontrou aquilo e se permite até mudar o título.
A autora do diário chama-se Ester do Rio Arco. Um nome incomum, talvez mesmo um nome literário. A escolha do nome Ester liga-se para si à condição de esterilidade daquela mulher, incapaz de gerar filhos?
Isso é maravilhoso. Não pensei nisso; gostaria de ter pensado. Todos os nomes dos personagens são importantes. Têm um significado para mim que prefiro não partilhar. É mais uma coisa que aprendi com o Machado de Assis. No livro Esaú e Jacó a mãe dos gémeos chama-se Natividade. Gosto que os nomes já tenham uma carga simbólica. Todas as pessoas no livro têm nomes que não são os seus, e o mais comum é que os personagens condensem várias referências, pessoas, experiências. Ester é um nome que começa por ter uma ressonância bíblica, e é um nome de que gosto bastante.
Usando o paralelismo presente no livro entre a escrita e a gravidez (“Escrever é ser capaz de gerar.”), até pelo modo como o ato de escrever pode redimir a infertilidade daquela mulher, diria que este livro lhe aconteceu a si ou que foi algo planeado?
Se calhar as duas coisas, mas acho que foi mais planeado. Já tinha a intenção de escrever há algum tempo, e acabou por acontecer no confinamento ser incentivada a escrever, como forma de me ligar aos dias e de encontrar palavras para aquilo que estávamos a viver e que era inédito para todos nós. Mas que pudesse também a partir dali ligar-me com uma experiência traumática recente, sobre a qual não tinha conseguido ainda elaborar. Há aqui duas doenças, dois momentos de uma enorme perturbação física e psicológica, e a doença coletiva que vivemos todos com a pandemia. Tudo isto me pôs a pensar naquilo que é mais próprio e profundo do ser humano. O nascimento e a morte, e esse horizonte de mortalidade.
O tempo do diário de Ester ocupa sensivelmente um ano: período em que lhe morreram pessoas que amava, em que se descobriu com uma doença grave, em que foi obrigada ao isolamento pela pandemia da COVID. Onde vê maior superação: em chegar-se vivo depois de atravessar estas provações ou na capacidade de organizar tudo que ali se passou sob a forma de livro?
Acho que a superação é, estranhamente, querer o dia seguinte. Isso é muito misterioso no ser humano porque nós atravessamos estas provações, maiores ou menores, e qualquer coisa nos faz querer o dia seguinte. Mesmo com momentos de enorme desânimo, desesperança, sofrimento, mas depois surge uma energia vital, que acaba por brotar (a minha atenção às plantas também foi uma forma, não só de ter presenças vivas perto de mim, mas de compreender como é isto que ainda não estamos a ver, mas que se está a operar debaixo desta terra e já é vida). Connosco também acontece isso, algo que nos impele a viver, e a grande superação é essa, continuarmos a querer o dia seguinte.
O Quarto do Bebé é um relato cheio de morte. A partir de que altura a sua vida se começou a encher de morte, e até que ponto considera eficaz o efeito catártico que a arte representa face a essa inevitabilidade?
Concordo com essa leitura. Acho que o que predomina neste relato é a morte, a certeza da morte, a dor da morte, a dor da perda, mas como disse atrás, ainda que esse seja o elemento predominante, há depois estranhamente uma temperatura solar. Um desejo ainda de “voltar à gemada” [“A gemada da minha infância era só gema e açúcar, não se punha leite.”] e começar tudo de novo. A morte das pessoas que amamos é aquilo que nos começa a ensinar que somos mortais. Vivemos a maior parte da vida como se fossemos imortais, e está certo. Compreendi que sou mortal com a morte da minha avó. Mas também compreendi de uma forma muito decisiva quando morreu a pessoa que inspira a personagem Aurora.
Que sentimentos vieram à tona quando pôs um ponto final a este livro? Orgulho, alívio, vazio, limpeza, tristeza, outros?
Limpeza é uma palavra boa porque preciso de limpar e arrumar. Ajuda-me muito a pensar, a refletir sobre as coisas, estar a fazer um trabalho manual. Quando acabei de ler o romance tive sensações contraditórias. Essa impressão de limpeza como se fosse uma purga; também uma impressão de distância (aquela já não era eu, de facto); paradoxalmente também tive uma impressão de ter sofrido muito. Como se me visse agora de fora e dissesse, caramba foi duro. Mas já não sou eu e já passou.
O que é que a Anabela Mota Ribeiro poria numa dedicatória a O Quarto do Bebé, antes de entregar o livro nas mãos de Ester do Rio Arco?
[risos] Tenho que pensar. Acho que poria uma trave da Nadia Comăneci, como a das vinhetas do livro, e diria qualquer coisa como “Para a Ester, que sabe que a vida é levantar e cair.” Inverteria a ordem. Claro que a vida também é cair e levantar, é sobretudo isso que nos ensinam, mas é muito importante sentir o chão.
Toni Morrison
O Olhar mais Azul
“De par com a ideia de amor romântico, ela conheceu outra: a da beleza física. Provavelmente as duas ideais mais destrutivas da história do pensamento humano. Ambas tinham origem na inveja, prosperavam na insegurança e terminavam em desilusão”. No Ohio dos anos de 1940, Pecola tem a pele mais escura de toda a escola. Rejeitada e tratada com desdém, todas as noites reza para ter os olhos azuis como as atrizes de cinema, as meninas brancas privilegiadas e as bonecas de brincar (“Pecola nunca conheceria a sua beleza. Veria apenas o que havia para ver: os olhos das outras pessoas”). Esta é uma obra poderosa sobre as consequências trágicas e debilitantes de se achar a rejeição como legítima e sobre a forma como a protagonista se desmorona, silenciosamente, anonimamente, sem voz para exprimir ou reconhecer o trauma. Mas, é também um livro que rejeita a noção equivalente de fealdade/negridão e que confronta o conceito de beleza imposto. A autora, Prémio Nobel de Literatura em 1993, procurou com este romance de estreia, que tenta tocar no “nervo nevrálgico do autodesprezo racial”, uma escrita “indiscutivelmente negra” tentando “transfigurar a complexidade da cultura negra americana numa linguagem digna dela.” Presença
Fernando Pinto do Amaral
Última Vida
O volume poético Última Vida divide-se em três partes: a primeira constituída por sonetos; a segunda por uma não-carta-de-amor em sete estâncias; e a terceira por poemas reunidos sob o titulo de Fim do Mundo. Fernando Pinto do Amaral retoma o seu lirismo de tons melancólicos, um conjunto de poemas que parecem dar-nos o retrato de um espírito ou de um planeta feitos de sombras, em vésperas de um fim do mundo anunciado. Paralelamente, a presente coletânea propõe também uma profunda reflexão sobre o sentido da própria poesia. No poema Remorsos, inspirado nuns versos de Auden que expressam a esperança do poeta se libertar do inferno devido aos livros que escreveu, lê-se: “(…) não tenhas remorsos como Auden. / É já tarde para isso e os poemas /não mudam o que foi a tua vida: / quem os ler vai pensar que foi outra, / imaginá-la outra – é sempre assim / e os poemas não pesam no juízo final”. Mais adiante, no poema Sombra, interroga-se: “Para quê escrever mais?”. Certamente em busca da “(…) última paz / antes do infinito / como um verso que traz / o que nunca foi dito.” Dom Quixote
As Mil e uma Noites – Histórias Apócrifas
A labiríntica narração de Xerazade tem seduzido gerações de leitores conduzidos por um mundo lendário, mágico e alegórico, povoado de reis, califas, tapetes voadores, misteriosas princesas, enganos, e trágicos amores, em que exotismo e sensualidade se confundem. Porém, As Mil e uma Noites, é, simultaneamente, uma obra que faz parte do imaginário popular e uma das mais desconhecidas da literatura universal. As suas histórias, as mais antigas remontam ao século XIV, foram sucessivamente alteradas, aumentadas ou encurtadas e, até, inventadas por tradutores menos escrupulosos. Antoine Galland, o primeiro tradutor europeu de As Mil e Uma Noites, acrescentou à tradução do manuscrito em sua posse várias histórias. Estas histórias apócrifas, como as designam os especialistas, terão sido contadas a Galland por um mercador sírio Hanna Diab que falava francês. Entre elas, contam-se algumas das mais populares, como as de Ali Babá e os Quarenta Ladrões ou Aladino e a Lâmpada Mágica. Este volume reúne as histórias que não provêm dos manuscritos árabes que recolhem lendas e contos tradicionais. Provavelmente, nunca se poderá garantir se terão sido contadas pelo mercador sírio, inventadas por Galland ou constado de algum manuscrito entretanto desaparecido. E-Primatur
Gustave Flaubert
A Tentação de Santo Antão
Em 1845, o escritor Gustave Flaubert (1821/1880) admirou, no Palácio Balbi, em Genova, a pintura atribuída a Pieter Brueghel, o Jovem, A Tentação de Santo Antão. Esta experiência, juntamente com as recordações dos espetáculos ambulantes apresentados na feira de Saint-Romain em Rouen, inspirou a criação da presente obra, objeto estranho e inclassificável com a perfeição formal que caracteriza os escritos do autor. Antão, o eremita de Tebaida, dialoga com aparições sucessivas e tentações demoníacas: visões de luxúria, seduções de poder e de prazer e a aparição do seu discípulo, Hilarião, que faz desfilar, perante ele, “os deuses de todas as nações e de todas as épocas” sublinhando as contradições das Escrituras. Segundo Baudelaire, seu contemporâneo, a obra constituía o “gabinete secreto do seu espirito” através da qual Flaubert expôs a “faculdade subterrânea do sofrimento” que marca a “desordem tumultuosa da solidão”. Uma obra percursora que antecipa o movimento surrealista na sua estreita relação com a teoria psicanalítica, conduzindo o olhar do leitor, ora encantado, ora aterrado, através de um mundo “criado por um Deus em delírio.” Minotauro
Ricardo Gonçalves Dias
Marcha de Alfama – A História da força de quem canta
O livro infantojuvenil O Primeiro País da Manhã narra a aventura de um menino que, para devolver um pouco de igualdade e de justiça ao mundo, decide inventar o seu próprio país. Em 2013, a obra vence o Prémio Branquinho da Fonseca Expresso/Gulbenkian. Em 2015, o autor, Ricardo Gonçalves Dias recebe o Prémio Jovens Criadores na área da Literatura. O escritor concentra agora a sua atenção na história da Marcha de Alfama. Desde a sua origem, as Marchas Populares de Lisboa alcançaram um lugar de relevo na vida cultural da cidade e um grande impacto nos bairros mais tradicionais que participam no evento. Para esta realidade, a Marcha de Alfama deu um contributo inegável, continuando a ser a marcha com mais títulos conquistados desde sempre e representando-se internacionalmente em países como Cabo Verde e Japão. Marcha de Alfama – A História da força de quem canta descreve o percurso de uma marcha popular, cruzando a história com a vida do bairro. A obra tem sempre presente a população alvo do texto, a que pertence ao universo da marcha e aquela que vive em Alfama, o bairro mais antigo de Lisboa que continua a encontrar caminhos para preservar a sua identidade perante a pressão dos tempos. Diário de Bordo
Nuno Costa Santos
Como um Marinheiro eu Partirei
Em centena e meia de páginas, Nuno Costa Santos presta tributo à sua relação com o cancioneiro e a figura de Jacques Brel (1929-1978), e com aqueles com quem tem partilhado este amor ao longo da vida. Como um Marinheiro eu Partirei – Uma Viagem com Jacques Brel usa por mote a frase “Um homem fuma um cigarro à proa do iate, concentrado no som do mar”, repetida algumas vezes até ao final, como que relançando na eternidade a viagem de barco que Brel iniciou (com as interrupções que o livro também assinala), após ter terminado a carreira nos palcos para se dedicar a viver como bem quis. No trajeto, aportou na ilha do Faial, onde teve início uma breve história de amizade com um médico local de ascendência belga. Nuno Costa Santos puxa por várias pontas da biografia de Brel, que cruza com a sua história pessoal entre os Açores e Lisboa, falando daquilo que se propõe intuir da personalidade do cantor belga, alguém que o levou a descobrir pessoas tão apaixonadas pelas suas canções como ele, e que fez ainda questão de dar a descobrir aos filhos. Trata-se um livro muito livre e muito afetuoso, que se constrói num registo híbrido pouco usual entre nós. RG Elsinore
Victor Correia (Organização)
Poemas eróticos sobre Frades, Freiras e Padres
A vida dos frades, freiras e padres está rodeada de interditos devido aos votos de castidade e celibato. A literatura erótica alimenta-se da transgressão associada à sexualidade. Em Portugal, desde a Idade Média, através dos cancioneiros medievais galego-portugueses, que se dá conta de transgressões praticadas por freiras e padres com indivíduos que não pertenciam à Igreja, por padres e freiras entre si, mas também entre os próprios padres e freiras. Porém, é sobretudo nos séculos XVII e XVIII que se escreveram esses poemas em consequência do contexto sociocultural da época, devido, por um lado, ao facto de haver mais conventos no país, e por outro, às influências que Portugal recebeu das “ideias libertinas da Europa desses séculos”. Organizada por Victor Correia, esta antologia única reúne poemas eróticos sobre frades, freiras e padres, escritos por mais de 50 autores portugueses clássicos, da Idade Média ao início do século XX. No final da antologia, divulga um conjunto de poemas inéditos do século XVIII, cujos manuscritos estão no arquivo nacional da Torre do Tombo: são da autoria de um frade, Frei João de Deus, e foram endereçados a diversas freiras. Têm agora, pela primeira vez, publicação em Portugal. Guerra & Paz
Honoré de Balzac
O Pai Goriot
Balzac (1799-1850) concebeu uma obra monumental com perto de 100 volumes. A quase totalidade forma um conjunto a que deu o título de A Comédia Humana, através do qual cria um extraordinário retrato da sociedade francesa da primeira metade do séc. XIX. Visionário poderoso, dotado de uma imaginação e sentido de observação invulgares, debruça-se sobre as problemáticas da paixão e da tomada do poder pela burguesia endinheirada. Este romance narra a história do pai Goriot, fabricante de massas viúvo que, tendo enriquecido durante a Revolução, permitiu às filhas, Anastasie e Delphine, encontrar bons partidos. Apesar da ingratidão das filhas, o protagonista dá provas de um amor paternal absoluto que quase raia a loucura. Paralelamente, desenvolve-se um tema tipicamente balzaquiano: o de um jovem provinciano ambicioso, de beleza delicada e algo andrógina, Eugène de Rastignac, que luta no mundo competitivo e adverso da grande cidade de Paris. A Comédia Humana, é uma obra colossal na qual as personagens passam de uns romances para os outros. Nesse sentido, embora na realidade não tenha sido concebido como tal, O Pai Goriot pode ser lido como o primeiro volume de uma pressuposta trilogia completada, respetivamente, por Ilusões Perdidas e Esplendores e Misérias das Cortesãs. Relógio D’Água
Edmund Wilson
Rumo à Estação da Finlândia
Edmund Wilson (1895 -1972) foi um escritor, ensaísta, jornalista, historiador e crítico norte-americano. Importante e influente crítico literário do The New Yorker influenciou o gosto literário de sua época promovendo novos escritores como William Faulkner e Ernest Hemingway. Na introdução a Rumo à Estação da Finlândia, a sua obra mais relevante, escreve: “É muito fácil romantizarmos uma sublevação social que acontece num país distante. (…) Ao longo deste livro, parte-se do princípio de que se deu um passo importante no sentido do progresso, de que ocorreu uma ‘conquista’ fundamental e de que nada na história da humanidade voltaria a ser como era”. Neste, que é o seu único estudo histórico, publicado pela primeira vez em 1940, desenvolve uma história intelectual em larga escala das ideias revolucionárias que deram forma ao mundo moderno, desde a Revolução Francesa até à chegada de Lenine, em 1917, à estação da Finlândia, em São Petersburgo. A obra é marcada por um tom vibrante, resultado do estilo do autor, mas também na sua convicção na ideia basilar de que é possível construir uma sociedade assente na justiça, na igualdade e na liberdade. O autor narra as vidas de anarquistas, socialistas, niilistas e utópicos como Vico, Michelet, Bakunin, Marx e o próprio Lenine. Com Wilson, a visão histórica é transformada num enredo pleno de romance, idealismo, intriga e conspiração. Imprensa da Universidade de Lisboa
Miriam Assor
Portugueses na Lista Negra de Hitler
O nazismo classificou os judeus como inimigos prioritários, mas perseguiu igualmente opositores políticos, testemunhas de Jeová, homossexuais, pessoas acusadas de serem criminosas profissionais e os chamados antissociais (mendigos, prostitutas, alcoólicos). Esterilizou, à força, afro-alemães, vitimou deficientes, empregou medidas extremas contra grupos considerados inimigos raciais, civilizacionais ou ideológicos, ciganos e funcionários e prisioneiros de guerra soviéticos, como lembra Miriam Assor no prefácio ao presente livro. Não obstante Portugal ter declarado neutralidade na II Guerra Mundial, houve cidadãos com documentação portuguesa tragicamente envolvidos na contenda. Fruto de uma pesquisa de mais de dez anos, esta é uma investigação inédita sobre os judeus portugueses que foram vítimas do totalitarismo nazi, do seu encarceramento, condições de transporte para os campos de extermínio. A obra inclui as memórias dos poucos que sobreviveram ao Holocausto, narradas pelos próprios ou pelos seus descendentes. Lembra a política consular do Estado Novo, que poderia ter feito muito mais para proteger os seus cidadãos no estrangeiro. Recorda os nomes dos diplomatas que desobedeceram às diretivas do Ministério dos Negócios Estrangeiros e a intervenção da Polícia portuguesa, no sentido de fechar as fronteiras e de encurtar o mais possível a estadia dos refugiados em território nacional. Casa das Letras
De saltos altos e cabelo armado, cheia de pose e sensualidade feminina, eis a intemporal Pantagruel, apresentadora televisiva de um popular programa de culinária, chef antropofagicamente requintada e bruxa vil, incestuosa e infanticida. A seu lado, o jovem Nosferatu, a cumprir uns meros três meses de estágio profissional, e um lobo cheio de estilo, após a fuga bem-sucedida ao desfecho conhecido do conto do Capuchinho Vermelho.
A doce vida de Pantagruel, repleta das melhores iguarias canibais, prepara-se para ficar ainda mais apaladada quando chegam os irmãos parricidas Hansel e Gretel. E nem mesmo a misteriosa presença de dois fetos de gémeos monozigóticos, responsáveis por caos q.b. nas taxas Euribor e confusões em redes sociais, poderão evitar que outros acontecimentos monstruosos estejam prestes a acontecer.
Para O livro de Pantagruel, a mais recente “loucura” de Ricardo Neves-Neves, o ponto de partida foi o humor “grotesco, escatológico e controverso” do escritor quinhentista francês François Rabelais. “Procurava fazer qualquer coisa que parecesse não jogar”, ou seja, “encenar um musical sobre canibalismo quando, por norma, ao musical se aplicam temáticas bem mais nobres”, explica Neves-Neves. Como parceiro criativo, e depois do sucesso dos espetáculos Banda Sonora (2018), A reconquista de Olivença (2020) e a ópera As Cortes de Júpiter (2022), Filipe Raposo, um compositor habituado a conceber música para acompanhar grandes clássicos do cinema mudo, como por exemplo Nosferatu, de Murnau, filme visivelmente citado na peça.
Um menu de influências
Se o conceito de musical antropofágico nos lembra imediatamente Sweeney Todd, the Demon Barber of Fleet Street de Stephen Sondheim e Hugh Wheeler, Neves-Neves continua fiel aos momentos mais empolgantes do seu percurso e reúne, em O livro de Pantagruel, um vasto cardápio de influências, que vai dos contos infantis ao cinema de terror, e não só (spoiler alert: contém cenas à Tarantino), passando pelo teatro do absurdo e pelo non sense, “condimentos” que lhe são sempre particularmente caros.
A ideia do canibalismo surgiu da leitura de Rabelais, e dos seus monstros Pantagruel e Gargantua. “Ele é um dos pais da comédia e há nos seus textos um lado agreste e de nojo ao qual acho muita piada”, sublinha. Mas, “se a comédia” tem o condão de ser. “muitas vezes, rasteira, pode ao mesmo tempo ser elevada”, e O livro de Pantagruel usa um humor muito negro e o canibalismo como “metáfora para o modo como usamos o outro, como nos nutrirmos através do outro.”
Associado ao canibalismo, abriu-se caminho para um pot-pourri de bestialidades que O livro de Pantagruel não deixa por mãos alheias. Pela peça desfilam enredos incestuosos, crimes de vingança, casos de parricídio, matricídio e infanticídio, e outras e demais perversidades, que a dotam de um caráter subversivo que parece em desuso nos tempos que vivemos. “Acho que andamos a fingir em demasia quando todos procuramos ser elegantes e bem-nascidos”, confessa o encenador. “Enquanto artista, discordo da ideia do palco ser um sítio de pureza, um sítio de pedagogia para ensinar o outro a viver. O palco é lugar do pecado e da observação da falha.”
Construir legos
“Há um conceito temático, uma ideia musical e sonora e… acontece”. É assim que Filipe Raposo sintetiza o modo como trabalha com Ricardo Neves-Neves, lembrando que o processo é como que “brincado”. “Abrimos uma caixa de legos onde, previamente, o Ricardo já escolheu as cores e as formas, e começamos a montar.”
Para a música de O livro de Pantagruel, o compositor recorreu às muitas memórias visuais e sonoras que guarda do cinema fantástico e de terror, e nem todas provenientes de obras-primas como o citado Nosferatu. “Quando era miúdo as minhas irmãs mais velhas pediam-me recorrentemente para ir ao clube de vídeo e escolher o pior filme de terror que encontrasse. Acabei por ver coisas muito más, as quais reconheço por vezes surgirem como influências no meu trabalho.”
E, das influências mais explícitas de Neves-Neves, refiram-se as personagens dos contos infantis como aquelas que parecem dominar a forma do lego de que nos fala Raposo. O autor e encenador assume que tenta vestir sempre a pele da criança que foi e dar a essas personagens “um discurso desviante”, como aliás “as crianças fazem quando brincam a partir da realidade.”
“Parto quase sempre da pergunta e se, colocando as personagens ou num contexto diferente ou até explorando a ideia de que aquilo que conhecemos da história onde elas são protagonistas é um equívoco”, partilha. Assim, na peça, e a exemplo, temos a dupla Hansel e Gretel errando pela floresta após um sanguinário ato de vingança. Mas, há outras revelações surpreendentes sobre personagens que tão nem conhecemos.
Protagonizado por Sandra Faleiro, no papel de Pantagruel, o espetáculo conta com interpretações de Andreia Valles, António Ignês, Célia Teixeira, Diogo Fernandes, Eliana Lima, Inês Cotrim, Juliana Campos, Rafael Gomes, Rita Carolina Silva, Ruben Madureira e Sissi Martins, e com a Orquestra Metropolitana de Lisboa, dirigida pelo maestro Pedro Neves. A direção vocal é de João Henriques, o cenário de Henrique Ralheta e, como habitualmente no Teatro do Eléctrico, e mais especificamente nas criações de Neves-Neves, os figurinos são de Rafaela Mapril.
Com estreia agendada para 6 de julho no Teatro São Luiz, O livro de Pantagruel fica em cena até dia 16, apresentando-se em Loulé, no Cineteatro Louletano, a 22 e 23.
O livro de Pantagruel é tema do mais recente episódio do podcast Frente de Sala disponível aqui.
Reunindo alguns dos mais reconhecidos nomes da arte urbana nacional e internacional, a mostra, com curadoria de Pauline Foessel e Pedro Alonzo, apresenta instalações originais de 17 artistas que moldaram e continuam a moldar o panorama mundial do movimento. Paralelamente, um conjunto de fotografias da mítica Martha Cooper documenta a evolução da street art ao longo das últimas décadas, fazendo “uma caracterização do lado mais subversivo” do fenómeno, nas palavras da própria.
A arte urbana, que inicialmente se desenvolveu tendo por base a tinta spray e a pasta de trigo, rapidamente evoluiu e incorporou diversas técnicas. Mais tarde, as ideias, a moda, a música, a dança e imagética da arte urbana chegaram aos media, o que a tornou num definidor da cultura popular.
“Esta exposição surge da vontade de dar a conhecer a evolução do movimento de arte urbana no mundo. Para isso, convidámos a fotógrafa americana Martha Cooper, reconhecida pelas suas imagens captadas desde o início da cultura urbana, na década de 1970, em Nova Iorque”, avança Pauline. “Além de Martha Cooper, convidámos mais 17 artistas, nacionais e internacionais, e desafiámo-los a criar in situ. Para nós, curadores, era importante dar aos artistas espaços com limitações, como na rua, mas num local que pode dar ao visitante uma experiência imersiva, não possível fora de um espaço de arte”, acrescenta. “A abertura do movimento de arte urbana, a versatilidade dos artistas e das criações, a facilidade de disseminação do movimento e a acessibilidade são os quatro conceitos que, para nós, fazem da arte urbana um movimento imperdível e que vai ficar na história da arte”, conclui a curadora.
±MaisMenos±, Add Fuel, AkaCorleone, André Saraiva, Barry McGee, Felipe Pantone, Futura, Jason Revok, Lee Quiñones, Maya Hayuk, Nuno Viegas, Obey SKTR, Shepard Fairey, Swoon, Tamara Alves, Vhils e Wasted Rita formam o restante alinhamento deste ambicioso projeto, que nasce de uma parceria entre a Everything is New e a Galeria Underdogs.
Para Tamara Alves, que apresenta na Cordoaria uma instalação com som, luz e sombra, é importante que o visitante crie uma relação direta com a peça. “Quero atrair o público para o mundo do meu trabalho, o meu desejo é que o espetador sinta que há uma certa intimidade com a minha obra”, diz a artista visual, fascinada pela estética da rua e contexto urbano.
Já AkaCorleone considera que este é um “projeto de sonho”. “Estamos a falar de um projeto que integra artistas que fizeram parte do início do movimento do graffiti e a da street art e de artistas que estão a definir o que é o futuro desta prática”, sublinha o artista que é reconhecido pela multidisciplinaridade e pela procura contínua de novas formas de apresentação do trabalho. Sobre a sua obra na Cordoaria, AkaCorleone avança: “A minha instalação quer ser o mais imersiva possível, de contemplação, onde o visitante entra e faz parte do seu universo. Espero que as pessoas percam algum tempo a explorá-la, a procurar as nuances do trabalho e, quem sabe, a encontrarem-se a elas próprias”.
Urban [R]Evolution, a mostra que explora a explosão criativa que varreu o mundo, pode ser visitada na Cordoaria Nacional até 3 de dezembro.
Quando há umas semanas se anunciou o regresso da companhia israelita Batscheva a Lisboa, no âmbito do Festival de Almada, o resultado foi, como é habitual por todo o mundo, uma corrida aos bilhetes. Em poucos dias, a lotação do Grande Auditório do Centro Cultural de Belém (CCB) esgotou para as duas datas agendadas, mas – excelentes notícias! -, a organização do Festival anunciou, durante a apresentação à imprensa da 40.ª edição, uma sessão extra, a 14 de julho, sexta-feira, às 18h30.
Fundada em 1964, a companhia israelita teve como primeira grande figura a coreógrafa Martha Graham, responsável por colocar a Batscheva Dance Company como uma das companhias mais destacadas do mundo. Através do trabalho desenvolvido pelo mentor da linguagem de movimento Gaga e diretor artístico da companhia, Ohad Naharin, a Batscheva atingiu um estatuto absolutamente incontornável no atual panorama da dança contemporânea.
Ao Festival de Almada, Naharin traz MOMO (acrónimo de “magic of missing out”, ou seja, “magia da perda”), uma peça inspirada no álbum Landfall que Laurie Anderson gravou, em 2018, com o Kronos Quartet. Em palco, 18 bailarinos são desafiados a deixarem-se levar pelas “suas emoções, ficando habitados por elas”. O resultado é, como escreveu o The Jerusalem Post, uma criação indescritível, “e essa será porventura uma marca das obras-primas: impossíveis de descrever e, portanto, de visionamento obrigatório.”
Outro regresso à capital é o de Milo Rau e da berlinense Schaubühne com Everywoman. O conceituado e muitas vezes controverso autor e encenador suíço, mestre do teatro documental, apresenta, a 15 e 16 de julho no Pequeno Auditório do CCB, “um espetáculo muito belo”, nas palavras do diretor artístico do Festival de Almada, Rodrigo Francisco. “Embora a morte esteja presente, Everywoman é, acima de tudo, um espetáculo sobre a beleza,” sublinha.
Estreado em 2021 no Festival de Salzburgo, a peça surgiu como a resposta de Rau ao desafio anual que o festival austríaco lança a um encenador consagrado de encenar a peça “faustiana” de Hugo von Hoffmannsthal Jadermann (em português, “todos os homens”). Fiel ao seu percurso, o suíço decidiu subverter o convite e, embora inspirado pela alegoria do homem que é visitado pela morte na peça de Hoffmannsthal, decidiu cumprir o desejo de voltar a trabalhar com a atriz residente da Schaubühne Ursina Lardi (que tivemos oportunidade de ver, no ano passado, aquando da passagem pelo Festival de Almada, do Édipo de Thomas Ostermeier), considerada uma das maiores intérpretes em língua alemã da atualidade, e alterar a visão sobre o texto.
Everywoman parte assim de uma carta que a atriz recebeu, em 2020, numa altura em que os teatros fecharam devido ao confinamento resultante da pandemia. A remetente, de seu nome Helga Bedau, era uma admiradora a padecer de uma doença terminal, triste por presumir que, muito provavelmente, nunca mais poderia ir ao teatro. Além disso, a mulher revelava ter, há muitos anos, sido figurante numa produção de Romeu e Julieta, sendo seu malogrado desejo ainda conseguir voltar a pisar um palco.
No espetáculo, que Bedau já não viu estrear, a atriz Ursina Lardi contracena com a própria Helga Bedau, a mulher que em vídeo incorpora a alegoria de “todas as mulheres“. Mas, desengane-se quem pense que Rau e Lardi recorrem ao sentimentalismo ou à comoção fácil que o estado da mulher poderia suscitar como motor do espetáculo. Em Everywoman há um piano em cena e há Bach, logo, é música a pulsar vida e a levar-nos para além da inevitabilidade da morte.
Peter Stein e Declan Donnellan em Almada
A celebrar 65 anos de vida no teatro, João Mota é a figura homenageada nesta edição do Festival. Para além do regresso ao palco de uma das suas mais recentes encenações, Não Andes Nua Pela Casa de Georges Feydeau (dia 8 no Palco Grande da Escola D. António da Costa, em Almada), o ator, encenador e fundador da Comuna Teatro de Pesquisa é evocado na exposição-instalação da autoria de José Manuel Castanheira A escola do círculo repetido sem fim (no teatro de João Mota) que enfatiza a vertente de pedagogo ao longo de mais de três décadas na Escola Superior de Teatro e Cinema e na própria companhia que fundou há 51 anos.
Numa edição marcada por vários (e notáveis) regressos, incluindo o de espetáculos portugueses de grande sucesso – como Montanha-Russa de Miguel Fragata e Inês Barahona, e Aquilo que ouvíamos do Teatro do Vestido – os nomes de Peter Stein e Declan Donnellan assumem um especial protagonismo. Mestres do teatro contemporâneo, grandes diretores de obras-primas da dramaturgia universal, o regresso a Almada faz-se com Pinter e de la Barca, respetivamente.
Stein, que a imprensa italiana se arrisca a prognosticar estar a assinar a sua última encenação, apresenta O Aniversário (12 de julho). Tal como na sua última vinda ao Festival (O Regresso A Casa, em 2015), o grande encenador alemão regressa com um texto de Harold Pinter – um dos seus primeiros – e com um elenco italiano para interpretar uma das peças mais perturbadoras do autor inglês ou, como diz o diretor do Festival, “uma inquietante peça sobre a verdade onde todas as personagens estão a mentir.”
Quanto ao britânico Declan Donnellan, que marcou o público do Festival em 2014 com o seu inesquecível Ubu Roi, dirige um dos mais emblemáticos textos do siglo de oro espanhol A Vida é Sonho. Uma grande produção que junta a Cheek by Jowl de Donnellan à Compañia Nacional de Teatro Clásico, de Madrid (17 e 18 de julho, no Teatro Municipal Joaquim Benite, em Almada).
De entre a presença portuguesa, destaque para duas estreias absolutas: Calvário de Rodrigo Francisco para a Companhia de Teatro de Almada, e Ventos do Apocalipse de Noé João numa coprodução do Teatro GRIOT com os Artistas Unidos. A primeira é uma incursão do teatro dentro do teatro em torno de uma companhia que encena uma peça de Thomas Bernhard e acaba por se debater com um autêntico “calvário”. A segunda, o olhar do ator e agora encenador angolano Noé João sobre o romance homónimo da escritora moçambicana Paulina Chiziane, naquilo que o próprio define como um exercício sobre “a memória e a guerra interpretado por quatro personagens em busca da terra prometida.”
Para além dos 20 espetáculos de teatro, dança e novo circo a serem apresentados entre 4 e 18 de julho, o Festival de Almada é composto por encontros, exposições, debates e pequenos concertos ao ar livre. Os bilhetes para os espetáculos variam entre os 13 e os 35 euros, estando já disponíveis as Assinaturas, que permitem o acesso a todos os espetáculos numa das sessões programadas, com o custo de 85 euros. Todos os detalhes da programação podem ser consultados no site oficial da Companhia de Teatro de Almada.
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