As fotografias da infância de Joana Pontes, em Angola, país onde viveu até ao seu regresso a Portugal com 13 anos, serviram de ponto de partida para o filme. Ao revisitar estas memórias, quando estava a fazer o Doutoramento em História Contemporânea sobre a Guerra Colonial, “comecei a perceber que estava na altura de olhar para as fotografias de outro modo. É o seguimento de um percurso pessoal. Há uns anos não me teria permitido essa reflexão, agora, que estou muito longe da realidade que expressam, posso olhar para elas com outras ferramentas. Antigamente não conseguia olhar para as fotografias, ficava emocionada… hoje, olho para elas de uma forma mais pacificada.”

Durante o doutoramento, Joana Pontes questionou o porquê de existir tão pouca coisa escrita sobre a fotografia da guerra colonial. Essas perguntas levaram-na ao encontro com dois investigadores, Filipa Lowndes Vicente e Miguel Bandeira Jerónimo. Foi o início do documentário Visões do Império. Para a realizadora era importante “tirar do espaço estrito da academia, investigações que dizem respeito ao espaço público e que no espaço público podem contribuir para uma discussão mais fomentada e menos opinativa. Achei que fazermos o documentário era uma forma de tornar mais clara esta discussão”, sublinha.

O filme, uma viagem coletiva ao passado colonial através de uma seleção de fotografias do império português, captadas desde os finais do século XIX até à Revolução de Abril de 1974,  desvenda os locais onde hoje se adquirem fotografias e postais realizados no contexto colonial, assim como os arquivos onde se guardam as milhares de fotografias relacionadas com o passado imperial português. Uma viagem que nos faz refletir sobre os problemas éticos associados ao uso destas imagens e que ajuda a relançar um debate essencial que não tem tido o protagonismo necessário.

“Estávamos muito próximo do acontecimento e não somos particularmente bons a lidar com a memória. Como houve uma mudança de regime brusca, não foi possível incorporar estes acontecimentos de uma forma mais factual, mais histórica, mais refletida”, esclarece a realizadora. “Muitas das pessoas que procuram informação sobre o tema são ex-combatentes que não querem que se esqueça o sacrifício que fizeram pela pátria, tentam reconstituir o passado e que se fale do assunto independentemente do julgamento que daí advém.”

A exposição, já patente no Padrão dos Descobrimentos, e o livro/catálogo (que será lançado em setembro) surgem como um complemento ao documentário e permitem uma outra forma de difusão do tema. “No fundo a exposição tem outras fronteiras, inclui textos de pessoas que dão opiniões e pontos de vista sobre as fotografias, tem uma organização diferente da do filme, transmitindo uma perspetiva pessoal, uma espécie de itinerário de investigação”. São estes textos que guiam o visitante pelos oito núcleos da mostra, onde se incluem imagens captadas nas antigas colónias em tempos e momentos muito diversos: da ciência ao trabalho, passando pelos hábitos, usos e costumes culturais. O percurso termina com uma instalação de Romaric Tisserand.

Tanto a exposição como o filme permitem-nos perceber como uma imagem nem sempre “vale por mil palavras.” Os postais com imagens de África e de africanos ganham uma dimensão completamente diferente quando se leem as mensagens escritas por aqueles que os enviavam para Portugal. Joana Pontes confirma este facto “quando lemos aquilo que se escreve sobre elas”. Nas imagens enviadas de Portugal para a ONU, e que “pretendiam ajudar a fazer uma espécie de contra discurso, compreendemos um contexto que não nos é acessível se só olharmos para a fotografia. A fotografia é uma imagem, mas tem que ser compreendida num contexto de produção e de classificação, o que neste caso é muito perturbador.”

Outro facto inquietante revelado no filme diz respeito à ausência de imagens que expressassem o sofrimento do povo africano ou a forma desumana como eram tratados. Mesmo depois de uma maior democratização na utilização da câmara fotográfica, as fotografias veiculadas traduziam “uma visão branca” de tempos felizes e prósperos. Sobre esta questão Joana Pontes cita a escritora Dulce Maria Cardoso, “concordo quando ela diz que a nossa vida pessoal não pode servir de amostra da vida coletiva. Neste discurso das colónias, e sinto isso mesmo em relação a alguns elementos da minha família, há muito quem justifique não fizemos mal nenhum, trabalhámos, levámos os filhos à escola… Isso são as histórias pessoais, como há a história dos brancos pobres que foram enviados para as colónias no final dos anos 50, que chegaram pobres, viveram pobres e saíram de lá pobres.”

Independentemente da experiência de cada um “a narrativa individual não nos pode fazer esquecer, nem permitir não analisar, o que foi a grande história dos impérios, que levou ao sofrimento, ao trabalho forçado, à violência e ao profundo desrespeito pelas populações locais. Achamos que a nossa narrativa pessoal é prova da bondade das coisas onde estivemos inseridos, mas não é. Acho que hoje, uma outra geração, que está de fora da cronologia dos acontecimentos mais dolorosos, talvez consiga olhar para isto de outra maneira. Percebemos que embora a nossa vida tenha sido feliz em Angola não é paginável com a vida de milhões de pessoas que viveram numa profunda infelicidade e desrespeito. Porque é essa a natureza dos impérios e o seu objetivo: ocupar e explorar os recursos.”

Solo nasceu imediatamente como um projeto com forte pendor autobiográfico?

Inicialmente não pensei em inserir elementos autobiográficos. Comecei por partir de um texto de Laura Mulvey, Perspectives on Cinema, que se debruça sobre o lugar da mulher no cinema, sobre a imagem e a beleza feminina e aquilo que a autora denominou de male gaze, ou seja, o olhar masculino sobre a mulher, sempre predominante no cinema ao longo do tempo – embora pontualmente tenham surgido visões femininas, mas quase sempre periféricas e pontuais. Quando comecei esta pesquisa estava muito influenciada ainda por um espetáculo anterior que tinha feito sobre John Berger [Ways of Looking, estreado no Teatro Nacional D. Maria II, em 2017], onde me debruçava sobre o modo como se manipula e dirige o olhar do espectador. Essas referências levaram-me a pensar um espetáculo sobre a imagem da mulher no teatro e no cinema. E a isso, juntou-se a vontade de misturar o espetáculo de teatro “sem intermediário” com o espetáculo de teatro que usa a câmara como um segundo olhar, o que permite ao espectador ter acesso a dois planos ou olhares diferentes.

E como é que a autobiografia entra no projeto?

Quando comecei a escrever percebi ser impossível não me colocar no texto. Achei mesmo que seria desonesto da minha parte estar a refletir sobre o que é isto de estar em palco, de ser uma mulher, de haver uma ideia de beleza que nos constrange ou nos coloca em “caixas”, e não falar da minha experiência. Com muita dificuldade, comecei a abordar assuntos que foram decisivos na maneira como eu mesma construí uma ideia de mulher e de atriz. Sobretudo de atriz, e de como isso se relaciona com a mulher que está no palco, que está lá para ser vista e provocar sentimentos, emoções ou desejo. No fundo, esta pesquisa levou-me a compreender como certas formas de estar são incutidas desde muito cedo, e depois se prolongam ao longo do percurso académico e profissional. Ao falar sobre tudo isto na primeira pessoa tinha, necessariamente, de falar da minha vida.

Ao trabalhar sobre matéria autobiográfica, o/a artista procede necessariamente a um exercício de autoconhecimento?

Sim, é inevitável. Quando se começam a abordar estes temas, abre-se um baú sem fundo. Em primeiro lugar, sinto que nos estamos a colocar muito em causa; depois, é forçoso debatermo-nos com o dilema de dizer ou não determinadas coisas no teatro, naquela que é a imensa dúvida de saber, ou perceber, se é aquele o lugar certo. Vivi muita angústia ao expor determinados assuntos, sem saber se o devia ou não fazer. Mas também percebi que, toda essa angústia, provinha do facto de ser a primeira vez que o estava a fazer com um espetáculo. Há, ao longo do processo, um caminho de autoconhecimento que nos leva a lugares dolorosos e que muitas vezes nem sequer imaginamos.

O que foi mais difícil colocares no espetáculo?

Não sei se terá sido o mais difícil mas, quando estava a escrever sobre o amor e sobre uma ideia de par romântico, tive necessariamente de falar de como foi o meu despertar amoroso, e de como isso foi doloroso na adolescência. Decidi abordar o assunto porque reconhecia o quanto terá sido decisivo e determinante na minha vida, já que, na altura, passei por muitos constrangimentos e dificuldades, dado que versa a minha homossexualidade. Com alguma surpresa, acabei por deparar-me com coisas que julgava estarem mais pacificadas, ou até resolvidas.

Como é que se encontra um ponto de equilíbrio entre aquilo que se expõe e aquilo que não se quer ou deve mesmo expor?

Como disse, num primeiro momento, para tornar compreensível e palpável aquilo que pretendia transmitir, percebi ser impossível retirar-me do texto. Em segundo, compreendi que a relação a estabelecer com quem me ia ver passava por uma exposição que não teria necessariamente de mostrar aquilo que é muitíssimo privado, mas que necessitaria de um grau de exposição suficientemente elevado para se perceber que aquela sou eu sem grandes capas. No fundo, aquilo que exponho, julgo ser o bastante para estabelecer essa relação com o público.

Algo profundamente inquietante em Solo é termos a perceção de que aquilo que é tão íntimo e pessoal pode ser, simultaneamente, tão universal…

Curiosamente, quanto mais pessoal mais universal. Ao mesmo tempo que se percebe que cada um de nós tem uma imensa especificidade, também vamos reconhecendo que, afinal, somos todos muito parecidos, e isso é maravilhoso. Todos nós sofremos por amor, todos nós vivemos paixões arrebatadoras, todos nós queremos ser aceites e ser amados, todos nós sonhamos, falhamos…

E é político também.

É, de facto, muito interessante irmos percebendo como o pessoal pode ser efetivamente político. Nós achamos muitas vezes que a política se faz apenas nos corredores do poder, mas nós, nas mais pequenas coisas, através das nossas vivências, da nossa relação com os outros, somos agentes da polis. São, no fundo, as pequenas coisas que influenciam as grandes.

Enquanto artista, este é o espetáculo mais arriscado que criaste?

Penso muitas vezes sobre se ao me expor tanto virei a encontrar margens para me proteger. Mas esta é a inevitabilidade da arte. A arte é, muitas vezes, um exercício de sacrifício pessoal, e até de ruína, no sentido em que se convive com o erro e o falhanço. Mas, neste caso, estou consciente de que só arriscando esse erro e assumindo a vulnerabilidade de me expor é que poderia abordar estes temas.

Devido à crise sanitária e aos confinamentos que suspenderam a atividade cultural, a estreia de Solo foi várias vezes adiada. Como é que os sucessivos reagendamentos influenciaram o resultado final?

Independentemente de saber sempre que o espetáculo iria acontecer (devo essa certeza ao permanente esforço do TBA), confesso que foi muito violento, sobretudo por ser uma criação que me é tão próxima. Imagina estares a pensar que só dali a um ano o vais estrear: será que faz sentido para mim; será que estou capaz de me expor? O certo é que durante muito deste tempo deixei o texto de lado, voltando a ele pontualmente. E quando isso acontecia percebia que aqui ou ali não estava a ser completamente honesta.

E a honestidade é determinante no espetáculo…

Claro que sim. Cada vez que voltava ao texto tinha um olhar mais exigente e mais consciente do que estava a acontecer à minha volta. Ou seja, pensei: vivemos um momento em que há tanto distanciamento, em que estamos todos enfiado em casa, e eu vou pôr-me num palco em algum momento para dizer o quê? Se vou falar sobre estes temas, não posso estar com meios-termos, tem de ser com toda a sinceridade. O estar isolada criou a urgência de criar pontes com quem me está a ver, isto é, de sair de um lugar um bocadinho teórico e mais intelectual, e passar a um lugar de maior emoção, e com isso de maior exposição. Lembro mesmo de ter alertado o Francisco Frazão [diretor do TBA] para o facto de, muito provavelmente, o espetáculo já não ir ser o mesmo. E, realmente, não é. Mas, eu gosto mais do objeto que tenho hoje em mãos [risos].

Queria voltar à questão da autobiografia, para lembrar como nos últimos anos se verificou uma tendência crescente para vermos mulheres levarem aos palcos espetáculos de caráter autobiográfico. Há uma urgência para isso acontecer?

Há, decerto, a perceção de existirem muitas narrativas no feminino que ficaram por contar. Aliás, há livros a sair de autoras que foram esquecidas ou menosprezadas, e até estão atualmente patentes uma série de exposições que revelam mulheres que tiveram um papel relevante na arte ou na sociedade. Neste momento, finalmente, há espaço e uma atenção coletiva crescente para valorizar as liberdades individuais e a diferença ou, para usar uma palavra que me parece mais ajustada, a especificidade de cada pessoa. Toda esta amálgama de possibilidades de ser e estar, de nos sentirmos bem com a nossa identidade e de a exprimirmos parece ser mais valorizada, embora, em paralelo, surjam discursos em sentido contrário. Mas, acho que é aí que entra a urgência de mais mulheres exporem as suas narrativas, de abordarem temas que as afetam, como a violência doméstica, o assédio sexual, as desigualdades salariais, etc. E depois há ainda as questões da identidade de género que, somadas, formam todo um conjunto de narrativas muito importantes, e que enriquecem bastante a nossa possibilidade de compreensão do mundo.

E porque é que te parece haver tão poucos homens a, digamos, encetar o seu contributo artístico neste campo?

A causa poderia estar no facto de ter sido o olhar masculino a pautar a criação artística até aos nossos dias. Mas, creio que a verdadeira razão passa por muitos homens ainda sentirem não ser este o lugar para falarem com vulnerabilidade das suas histórias e vivências, à semelhança daquilo que muitas mulheres artistas estão a fazer.

Curiosamente, muitos dos temas abordados em Solo tiveram também uma intensa exposição mediática desde o início da pandemia, não só os relacionados com os direitos das mulheres, mas também os das comunidades LGTBIQ+, ou até o debate em torno da urgência da linguagem neutra e inclusiva. O facto destes temas terem estado tantas vezes em agenda desde março do ano passado influenciou-te de algum modo?

Não sinto que o tenham feito, embora reconheça a necessidade de ter de assumir uma ainda maior responsabilidade. São coisas muito sérias, mas a arte é também uma coisa muito séria, embora creia que possamos falar de qualquer tema, mesmo que seja a brincar – lembro, por exemplo, O Eterno Debate [peça de Teresa Coutinho estreada em 2020, que deu sequência a um projeto para televisão disponível na RTP Play]. Mas, em relação a este espetáculo, reconheço sobretudo a responsabilidade que é estar a inscrever no palco aquele discurso, aquelas imagens, aqueles códigos, sem deixar de tornar claras algumas questões. Se elas serão ou não bem compreendidas, já é outra história, até porque Solo tem também elementos ficcionados, tem a nostalgia, tem o lirismo… Não pretendo de modo algum que o espetáculo se confine num discurso panfletário.

O que gostavas, no final do espetáculo, que o público levasse consigo?

Como qualquer criação artística, gostaria que pudesse reverberar, que pudesse inquietar – aliás, a inquietação interessa-me especialmente, bem mais do que saber se as pessoas gostam ou não. O sonho de qualquer criador é que a criação não passe ao lado de ninguém. Para ser muito sincera, a minha maior ambição é que, amando ou odiando, pensem nele.

Não é à toa que Lisboa é uma das cidades mais badaladas da Europa (pandemia à parte, já que o turismo anda pelas ruas da amargura por todo o lado). O clima fantástico, a luz inigualável, a gastronomia sem comparação e até a hospitalidade dos alfacinhas, são fatores que apaixonam quem nos visita. Lisboa é uma cidade multicultural de grande riqueza histórica, mas é também uma cidade moderna, que se reinventa e abraça a novidade. Aqui há fado, mas também há música eletrónica. Aqui coabitam o novo e o velho, a tradição e a modernidade. Depois de mais de um ano de pandemia e de economia estagnada, há todo um setor que se reinventa.

Casa do Capitão

casa-capitao.com

O Hub Criativo do Beato é uma arca que guarda vários tesouros. Um deles é a Casa do Capitão, inaugurada em agosto de 2020. Este ano, as portas abriram em maio e, fazendo jus ao conceito de espaço pop up, manter-se-ão abertas até outubro. De quarta a domingo, é possível usufruir de uma programação para todos os gostos e idades. Os eventos decorrem na Casa ou no terraço, com exposições, concertos, oficinas, DJ sets e leituras. Os mais pequenos não foram esquecidos, havendo regularmente oficinas para frequentar em família. Para o cardápio estar completo os petiscos não podiam faltar, fruto de uma parceria com A Praça Hub (conceito de cozinha que privilegia ingredientes de pequenos produtores regionais) e ainda com a produtora de cerveja The Browers Company.

Novo Negócio

zedosbois.org/novo-negocio

O Negócio surgiu em 2005 como um espaço dedicado à criação e experimentação em residência. Durante 13 anos de fervilhante atividade, recebeu 126 residências de criação e apresentou 180 peças de teatro e dança. Em 2018, a especulação imobiliária que se abateu sobre a capital obrigou à procura de uma nova localização. Após um hiato de dois anos (e de intensa busca pelo espaço com as características ideais), o Negócio voltou a abrir portas em Marvila, um local da cidade onde há muita atividade cultural a efervescer. Para além das artes performativas, o Novo Negócio recebe concertos regularmente, numa linha que o atual programador de música, Marcos Silva, considera ser “marginal e experimental”.

Valsa

valsa.pt

Em 2018, a Penha de França viu nascer um novo espaço multidisciplinar de convívio cultural que rapidamente conquistou público. Com programação regular, a Valsa assume-se como um laboratório para artistas das mais diversas áreas (música, artes plásticas, dança, teatro, poesia), que testam e experimentam novos projetos e formatos. Na maioria das vezes, esses encontros dão-se em forma de espetáculo, mas também há saraus, DJ sets, encontros, improvisos, cursos livres ou feiras. Claro que os petiscos são obrigatórios, com grande destaque para o projeto Pizzandante, que promove a ideia de que uma boa pizza tem o poder de juntar pessoas e criar lugares de encontro e troca de vivências. Também não podiam faltar livros, seja para ler enquanto bebe café, ou mesmo para comprar.

PENHA SCO –Arte Cooperativa

penhasco.online

A PENHA SCO é uma cooperativa de produção e difusão artística da Penha de França, que abriu portas em 2018 numa extinta fábrica de têxteis. Segundo uma das cooperadoras, Julia Salem, “o objetivo sempre foi pensar a arte não só no âmbito da arte contemporânea, mas num âmbito expandido. Uma arte que trabalha com formação de público, com políticas de convívio, arte comunitária ou arte social”. Existem ciclos de programação trimestral, que são desenhados pelo corpo de cooperadores e que abrangem música, artes performativas e artes visuais. O espaço tem quatro ateliês de criação (mais vocacionados para artes visuais e vídeo), uma blackbox (para ensaios e apresentações) e uma galeria. É, acima de tudo, um espaço multidisciplinar: “não há muitos espaços que programem música, artes performativas, artes visuais e que, para além disso, ainda façam um trabalho com a população local”, tal como o projeto RE_INTEGRARTE, que trabalha com crianças e idosos da zona.

Harbour Music Shelter

www.facebook.com/harbourmusicshelter

Em agosto de 2019, abria portas o Harbour Music Shelter, um clube noturno no Cais do Sodré. O projeto surgiu quando três amigos – que já trabalhavam na área da realização de eventos – decidiram promover um negócio em conjunto. A ideia era abrir um espaço de música eletrónica, que fosse um prolongamento dos bares e uma alternativa às discotecas da zona, funcionando entre as quatro e as dez da manhã. Este ano, o Harbour Music Shelter ganhou uma nova varanda com vista para o rio, para que se possa usufruir da música com toda a segurança. Frequentado sobretudo por amantes de música eletrónica, o Harbour tem muito mais para oferecer. Aqui há muitos petiscos e cocktails para provar enquanto usufrui de um DJ set a olhar para o Tejo. Todos os dias há um novo DJ para conhecer, com enfoque especial em artistas nacionais, que viram os seus rendimentos drasticamente reduzidos com a pandemia.

Brotéria

broteria.org

Monsantos Open Air

monsantosopenair.pt

A música e a religião fizeram parte da tua infância. Isso influenciou a tua identidade artística?

Tanto o meu lado materno como paterno eram muito ligados à religião. Uns evangélicos-protestantes e outros católicos. O meu acesso à arte foi através da religião, que me deu uma formação mais consolidada de teatro, música e canto coral. Embora fosse obrigado a ir à igreja, acabava por gostar de todas as atividades artísticas e daquele universo ficcional (ou não, dependendo da fé de cada um), que começou a fazer parte da minha formação. A minha família tem um lado pagão e um lado religioso e foi por aí que o meu trajeto artístico se começou a desenvolver.

A tua vida artística começou muito cedo. Aos 9 anos participaste na peça O Flautista de La Fontaine. A partir desse momento percebeste que querias viver da arte?

Sempre soube que queria viver da arte. A decisão de seguir esse caminho sempre foi uma coisa muito natural. Tenho vários amigos que se sentem perdidos porque não sabem o que fazer da vida e eu não faço ideia o que isso é. Sempre soube o que queria fazer e sempre tive a sorte de, quer na escola, quer na igreja, ter papéis de grande responsabilidade e destaque.

Como surgiu a paixão pelo fado?

A minha mãe é da Mouraria, era fadista e bailarina. Curiosamente, não cresci com ela. Embora tenha tido muito mais contacto com o meu pai, sou muito mais parecido com a minha mãe. Os meus avós gostavam muito de fado e eu estava sempre a perguntar-lhes histórias. É um bocadinho cliché dizer que o fado nos escolhe, e acho que não escolhe só os fadistas, mas todos os personagens que orbitam esse universo. Acho que, no meu caso, foi isso que aconteceu, como acontece com a maioria das pessoas que dedicam a sua vida ao fado. É uma coisa que não se sabe bem como acontece, mas sem a qual não se consegue viver. Não consigo viver afastado do fado. Tenho momentos em que estou mais dedicado à criação de peças de dança, mas no fim do dia vou sempre ouvir os meus fados.

Para além de fadista, és coreógrafo, bailarino e performer. Como se gerem todas estas facetas?

Comecei no Chapitô, que dá uma abertura muito grande para todas as artes: teatro, dança, artes circenses, teatro de rua… Todas estas vertentes enriqueceram o meu caminho matriz, que é o fado. Sempre pensei que teria de optar entre a dança e o fado, até que surgiu o fado batido, que é o espetáculo que estou a desenvolver agora, que resgata as danças extintas do fado. É meu desejo que o fado volte a ser “batido” nas casas de fado, e que volte a ter um vocabulário coreográfico associado. É muito difícil gerir tudo, mas é isso que me enriquece enquanto identidade artística. A dança contemporânea e a performance olham para o futuro, enquanto o fado está completamente enraizado no passado. É uma grande responsabilidade poder expandir esta forma de expressão artística, que é muito mais velha que eu e que já existia muito antes de eu nascer.

O fado batido é um conceito que poucos conhecem…

É talvez o tema mais desconhecido e obscuro do fado, que carece de uma investigação a sério. O flamenco, o samba ou o tango têm uma dança associada. O fado também tinha, chamava-se fado batido. Era uma dança muito erótica e lasciva, baseada num sapateado energético e em palmas. Fala-se muito da influência do fandango e do lundum (dança afro-brasileira). Os primeiros documentos sobre a origem do fado remetem para o Rio de Janeiro, quando a Corte foge para o Brasil. O fado nasce nesta altura enquanto dança, e de repente desaparece. É isto que dizem os principais livros de história do fado, embora não expliquem o porquê do seu desaparecimento súbito. Esta peça que levo ao CCB assenta nessa investigação. Não seria honesto dizer que vou recriar a dança porque isso não é possível. Será uma reinterpretação com alguma liberdade (com base em imagens e textos) e um novo vocabulário para que se possa bater o fado, daí o nome Bate Fado e não fado batido.

De onde veio esse desejo de recriar o fado batido?

Um dia escrevi uma música a que chamei Fado Batido. Depois, já fora de horas, fui a uma casa de fados onde estava a Matilde Cid a cantar o Fado das Horas. Nesse momento tive uma visão de um homem vestido de campino a dançar em círculo, enquanto sapateava. Foi a partir daí que o projeto nasceu. Tem sido um caminho incrível. Ainda só fizemos três apresentações, mas as reações são sempre de espanto. No mínimo, estamos a dar a conhecer ao mundo que o fado já teve uma dança que se extinguiu e que ninguém sabe porquê. Não se sabe porque houve este apagão da memória coletiva, e não foi assim há tanto tempo. Até 1910 ainda se encontram documentos do fado dançado. Se o fado tem 200 anos, metade da vida dele foi dançada.

O teu disco de estreia chama-se São Jorge. O nome está relacionado com a freguesia onde nasceste (São Jorge de Arroios)?

São Jorge sempre foi um santo que me intrigou muito, mas há aqui vários fatores: nasci em São Jorge de Arroios, o Chapitô é ao lado do Castelo de São Jorge, São Jorge é um santo muito importante na formação de Portugal enquanto santo protetor de D. Afonso Henriques… fascina-me esta ideia do santo guerreiro que é, em si, um antagonismo. Uma vez fiz uma cerimónia em que estava a cantar a música de São Jorge e uma parte da letra diz “e o golpe do destino, esse eu sinto, mas não caio”. Isto intrigou-me muito nesse momento, e foi aí que dei nome ao álbum. Acho que foi um bocadinho esquecido e substituído pelo Santo António, e isso intriga-me. Como é que se passa de um santo montado num dragão para um santo estático com o menino ao colo? Esta ideia do guerreiro rendido a lutar é uma imagem muito próxima dos fadistas. O fado é um ritual e fala de muitos assuntos que muita gente não gosta, como a morte ou o machismo. Põe o dedo na ferida, o que para mim é uma espécie de catarse.

A produção musical ficou a cargo de Jorge Fernando. Como surgiu esta parceria?

Esse é outro grande motivo pelo qual o álbum se chama São Jorge. Conheci o Jorge na primeira casa de fados onde cantei, a Casa de Linhares. Foi a primeira pessoa que me ouviu a cantar fado em público. Desde aí fomo-nos sempre cruzando, sempre houve uma ligação e uma identificação. Se não fosse o Jorge, a sonoridade deste disco seria completamente diferente. Acho que ninguém me consegue ler tão bem. Eu levava-lhe uma melodia e uma letra e o que ele me propunha às vezes nada tinha nada a ver com a ideia que eu tinha, mas surpreendia-me sempre pela positiva. Acho que ele é um génio a trabalhar. Para mim, é a personagem viva mais transversal do fado. Começou como guitarrista da Amália e tornou-se num dos maiores compositores de fado. É um privilégio ele ter participado nos meus primeiros passos como cantautor e fadista. Ter ao meu lado um São Jorge destes foi uma experiência muito forte.

Quem são as tuas maiores referências no universo do fado?

Amália Rodrigues. Lá vou eu para o cliché [risos]… Mas também o Carlos do Carmo ou a Fernanda Maria. Em relação a nomes mais atuais, adoro a Sara Correia ou o Ricardo Ribeiro.

Bernardo Santareno

Teatro I

O médico e escritor António Martinho do Rosário (com o pseudónimo literário de Bernardo Santareno) integrou em 1957, a equipa de médicos da frota bacalhoeira portuguesa, primeiro no arrastão David Melgueiro, depois no navio-motor de pesca à linha Senhora do Mar e, por fim, no navio-hospital Gil Eannes. Experiência que serviria de material para Nos Mares do Fim do Mundo, obra singular, misto de diário, livro de viagens, reportagem, narrativa poética e aventura, e para O Lugre ou A Promessa, duas peças fundamentais do maior dramaturgo português do século XX. Para além desses dois títulos, complementam o primeiro volume dedicado ao teatro de Santareno, as seguintes peças: O Bailarino, A Excomungada, O Crime da Aldeia Velha e António Marinheiro (O Édipo de Alfama), textos que o consagram como poeta de teatro. Escreve Ana Paula Medeiros na introdução à presente edição: “Poeta da sombra lutando com a luz, procurando o seu destino e sua força. Poeta da vida como mistério, que, indizível, toca o eu e o outro e os empurra para a redenção na palavra e no silêncio, na transfusão libertadora que é o teatro para Bernardo Santareno.” E-Primatur

Luísa Costa Gomes

Afastar-se

Numa dos contos deste livro que dá titulo à coletânea, Luísa Costa Gomes relembra-nos que o poeta Lord Byron foi o fundador da natação competitiva em mar aberto. Completada a travessia do Helesponto, Byron escreveu à mãe: Tenho mais orgulho nesta proeza do que em qualquer outra glória, poética, política ou retórica”. Giulia, a jovem protagonista da narrativa, revê-se nas proezas do poeta que “desde criança se lançava a charcos, lagos, rios, canais, estreitos e a toda a água que se lhe atravessasse no caminho”. Luísa Costa Gomes colecionou ao longo de mais de cinco anos contos que de uma maneira ou de outra tem a água como tema central ou inspiração. “Ela está sempre presente, doce, clorada, salgada, mais larga ou mais discreta, no oceano aberto onde se experimenta o abandono e a sobrevivência, no duche redentor que muda em narrativa irónica uma experiência de quase morte, na saliva que prepara a cinza, na piscina adorada que é meio de transmutação alquímica”. 13 belíssimos contos onde “na vida da água que nos faz sonhar [só de olhar] reconhecemos a nossa própria sobrevida.” Dom Quixote

Marc Jimenez

A Querela da Arte Contemporânea

As vanguardas do século XX parecem ter inviabilizado as convencionais categorias estéticas e o grande público reage frequentemente com alguma perplexidade, e até aversão, perante obras que não compreende. Marc Jimenez, filósofo e germanista, professor de Estética na Universidade de Paris I, procura responder a uma questão essencial: como julgar a qualidade artística de objetos e de práticas quando já não existem critérios nem normas de referência? Esta obra traz a lume o controverso tema da “decadência da arte”, identificando os debates e polémicas que opõem defensores e detratores da criação artística contemporânea. A questão que se levanta, segundo o autor, já não é tanto a dos limites estabelecidos para a criação, mas a da inadequação dos conceitos tradicionais — arte, obra, artista, etc. — a realidades que aparentemente já não lhes correspondem. O verdadeiro interesse destas querelas vai depender, de acordo com Marc Jimenez, “da vontade que os diferentes atores do mundo da arte ocidental revelem para se oporem a que a criação artística se reduza a ser apenas o eco fiel do que a sociedade espera dela.” Orfeu Negro

Julian Barnes

O Homem do Casaco Vermelho

No mês de Julho de 1885, chegam a Inglaterra três franceses que, como escreveria mais tarde Henry James, seu companheiro durante dois dias, “ansiavam por ver o esteticismo londrino”. Eram eles: o Príncipe Edmond de Polignac, o Conde Robert de Montesquiou- Fesensac e Samuel Pozzi, plebeu, médico da melhor sociedade, ginecologista pioneiro, que alguns anos antes, fora retratado numa das mais brilhantes telas de John Singer Sargent, em casa, com um impressivo roupão escarlate (o homem do casaco vermelho). Este livro inclassificável é, em parte romance, em parte biografia dos três amigos e, por fim, um veemente retrato da Belle Époque através das suas figuras modelares. Época cosmopolita repleta de glamour, com um clima cultural e artístico marcado por um profundo hedonismo, mas que revela também um lado negro, “um tempo de neurose, mesmo de ansiedade nacional histérica, carregado de instabilidade politica, crises e escândalos”, sem esquecer as intensas manifestações de racismo (o célebre “caso Dreyfus”). Simultaneamente, detém-se num dos tipos característicos desta era, o dandy, “aquele que persegue a perfeição do gosto.” Quetzal

José Silva Carvalho

A Ermida Que Há Dentro Deste Lugar de Carnide

Esta obra centra-se na história de um edifício demolido há mais de 160 anos e a sua importância no contexto de Carnide. Segundo o seu autor, o arquiteto José Silva Carvalho, terá sido porventura a construção da Ermida de Carnide e do seu antigo rocio, a estar na base da formação e continuada existência deste núcleo nos subúrbios da antiga Lisboa. Para além da história da Ermida, o autor debruça-se sobre o seu espólio, bem como sobre alguns outros edifícios circundantes como o pequeno hospital/gafaria e o suposto antigo paço. Outros usos existentes neste rossio, designadamente os ligados à taberna ao vinho e à festa, contribuíram para as dinâmicas que durante séculos se desenvolveram na envolvente da ermida e do seu pequeno cemitério. Trata-se de um exercício de reflexão que pretende contribuir para o conhecimento do núcleo antigo de Carnide, particularmente na área do património edificado, tendo a Ermida do espírito Santo como referência principal de análise. Ed. Caleidoscópio

Paulo Dentinho

Sair da Estrada

“Livro de descobertas”, como lhe chamou Mário Zambujal, composto por 13 histórias que se leem de um fôlego, com uma escrita rápida, direta e eficaz, própria do jornalismo, Paulo Dentinho revela os acontecimentos que testemunhou a partir dos bastidores das reportagens. Enviado especial, repórter de guerra, correspondente em Maputo, Díli e Paris, entrevistou personalidades de relevo internacional como Ytzhak Rabin, Muammar Kadhafi, Emmanuel Macron ou Lula da Silva, entre outras. Mas foi sobretudo na reportagem que se destacou. Das ruas mais modestas aos palácios reais e presidenciais, cruzou-se com histórias simples de gente anónima e com as dos grandes decisores políticos do mundo contemporâneo. Testemunhou dor, morte, revolta e resignação. E conta neste livro o que viu. São reportagens “com pessoas reais lá dentro”, como escreve Teresa de Sousa no prefácio à presente edição: “Cada história tem pessoas de carne e osso, que estiveram lá, que vivem lá, que sofrem as consequências ou alimentam as esperanças. (…) É a partir dessas histórias que nos leva de novo às notícias de que já nem nos lembramos. (…) Para que a memória mão se apague e as tragédias não sejam esquecidas.” Caminho

Alan Hollinghurst

A Biblioteca da Piscina

Alan Hollinghurst, romancista inglês nascido em 1954, alcança o Booker Prize de 2004 e a fama internacional com a A Linha da Beleza, retrato impiedoso da plutocracia da era Thatcher e dos seus efeitos sociomorais, e uma fina análise da complexidade das relações humanas numa época marcada pelo aparecimento da SIDA. A Biblioteca da Piscina (1988), a sua primeira obra, centra-se igualmente num relacionamento homossexual. Durante um engate numa casa de banho pública, um jovem salva a vida de um homem muito mais velho, um Lord suficientemente colunável para aparecer nos diários de Evelyn Waugh. O aristocrata encarrega o jovem de escrever a sua biografia e entrega-lhe os diários em que confiou os pormenores da sua vida, valioso documento sobre o universo e a cultura gay inglesas. Mas este romance é muito mais do que isso. Os livros de Hollinghurst constituem, invariavelmente, uma experiência estética inesquecível: o romancista escreve com requintada erudição sobre pintura, arquitetura, design, decoração e antiguidades, música e literatura. Toda a sua obra remete para uma certa tradição literária inglesa: A Linha da Beleza para Henry James; A Biblioteca da Piscina para E. M. Forster. Dom Quixote

João Palma e Rodrigo de Matos

Sem Rei, Nem Roque

Todos sabemos que “cair no conto do vigário” significa sermos enganados ou burlados, mas a origem desta expressão popular é bem menos conhecida. Também o significado de expressões como “uma questão de lana-caprina”, “encanar a perna à rã”, “dar com os burros na água”, “vai para o maneta!”, “rés-vés Campo de Ourique” ou “fazer uma vaquinha”, se perde no tempo. Sem Rei, Nem Roque tem como autores João Palma, que entre 1990 e 2006 foi jornalista do Público e que, em simultâneo, escreveu diversas peças, em especial na área do desporto (atletismo, corridas de estrada), bem como pequenas crónicas e artigos ocasionais, e Rodrigo de Matos, cartunista do semanário Expresso, com o qual colabora desde 2006, assinando atualmente a coluna Capital de Risco no caderno “Economia”. Juntos embarcaram nesta viagem às origens das expressões populares mais usadas pelos portugueses. Um livro útil para miúdos e graúdos, com ilustrações divertidas, que conta tudo “tintim por tintim”, que não é “de borla”, mas também não “custa os olhos da cara.” Oficina do Livro

Os pilares da Ponte Vasco da Gama, campos de basquetebol, empenas de prédios, atravessamentos pedonais e muros de comboio vão receber intervenções de diversos artistas, alguns em estreia em Portugal, outros consagrados. Durante nove dias, é possível assistir a workshops ou visitar, a pé e de bicicleta, os novos trabalhos que prometem dar ainda mais vida àquela zona da capital. E, porque todas as intervenções de arte urbana têm um autor, damos a conhecer a cara de quem dá corpo e forma a esta arte.

Odeith

(Portugal)

www.odeith.com

Conhecido mundialmente pelo efeito tridimensional que dá às suas composições artísticas através do recurso à ilusão de ótica, Odeith marca presença dupla neste festival. Na Gare do Oriente, apresenta a exposição Obliquity, onde, pela primeira vez, se vão poder ver algumas peças anamórficas como as que costuma fazer em espaços abandonados e que normalmente só são vistas na internet ou nas redes sociais. Só quem consegue encontrar uma fábrica abandonada onde eu tenha pintado é que consegue ver a obra ao vivo, diz. A exposição tem um bocadinho de tudo: insetos, carros, umas caveirinhas de animais…. Haverá sinalização no chão, onde as pessoas terão de se situar para conseguirem ver a tridimensionalidade da peça. Convém que levem telemóvel, porque a maior parte dos efeitos só são vistos com uma câmara, acrescenta.

Para além desta mostra, Odeith também vai intervencionar um pilar da Ponte Vasco da Gama. A palavra Lisboa será ali pintada com um estilo tridimensional, sem chocar muito, simulando a presença de umas letras de pedra na ponte”, conclui.

Thiago Mazza

(Brasil)

www.thiagomazza.com.br

A minha especialidade é pintar plantas, esclarece Thiago Mazza, considerado um grande expoente do muralismo contemporâneo brasileiro e conhecido no cenário da arte urbana contemporânea pelo seu domínio na representação da fauna e da flora.

Atualmente, o seu tema de estudo são as plantas tropicais mas, para a sua intervenção no Passeio do Báltico, a primeira em Portugal, optou por trabalhar a partir das plantas daqui. A minha composição para este festival vai ser um pouco diferente, já que costumo trabalhar plantas com uma estrutura exuberante e folhagem densa. Mas aqui vou ampliar muito as flores que apanhei já em Portugal, como a papoila e a alcachofra selvagem, e vou mostrar que elas são muito mais que uns pontinhos roxos, amarelos ou vermelhos que passam despercebidos no campo. A minha intenção é que as pessoas valorizem a flora nativa e que vejam como são bonitas as flores que crescem espontaneamente num campo, num lote vago ou até num quintal abandonado”, explica o artista brasileiro.

Tomáš Junker aka PAUSEr

(República Checa)

www.instagram.com/pausrr

PAUSEr é um dos quatro nomes que formam o grupo Visegrado, coletivo de artistas da Polónia, República Checa, Hungria e Eslováquia que nasceu por ocasião do 30.º aniversário do grupo Visegrado (V4) e no âmbito da presidência polaca do V4 (julho de 2020 – junho de 2021).

Convidados para o festival através das embaixadas de cada um dos países, PAUSEr (República Checa), Fat Heat (Hungria), RCLS (dupla da Eslováquia) e Mikołaj Rejs (Polónia), unem-se para criar um mural na Avenida de Pádua. O conceito inicial era compor uma peça sob o tema da sustentabilidade e ecologia. uma vez que cada artista tem o seu próprio estilo, e por isso era difícil fazer uma peça única, decidimos fazer composições separadas e uni-las através do background e da fusão das cores e do tema, avança o artista checo. Na minha obra em específico, tento juntar o velho e o novo, o presente e o futuro, combinando temáticas tradicionais de Portugal e da República Checa, conclui.

Jacqueline de Montaigne

(Portugal)

www.jacquelinedemontaigne.com

Pintora e muralista, Jacqueline de Montaigne é uma autodidata que só em 2018 decidiu enveredar pela carreira artística a tempo inteiro. Recorrendo à arte figurativa dramática, infundida na natureza, a sua obra encontra-se representada tanto em coleções internacionais privadas como públicas e na proeminente cena da arte urbana em Portugal.

A sua intervenção artística no muro da linha do comboio no Passeio do Báltico é um lembrete de que a nossa própria existência é condicionada pela nossa capacidade coletiva de proteger a fauna e a flora e encontrar um equilíbrio para coexistir com e dentro do nosso mundo natural. O meu mural mostra duas figuras espelhadas frente a frente – uma humana, a outra composta pela fauna e flora local (magnólia, verdilhão e arctia vilica). A figura humana tem a fauna e a flora correspondentes tatuadas no seu corpo como uma ode à natureza. As duas figuras são ligadas por um círculo de cobre criado a partir de uma folha de cobre real, que simboliza a continuidade, acrescenta a artista anglo-portuguesa.

Los Pepes

(Portugal)

www.instagram.com/lospepesstudio

Los Pepes Studio é uma dupla de artistas composta por Meggie Prata e Francisco Leal que realizam a sua intervenção no Casal dos Machados. Ligados às artes plásticas e ao design, têm vindo a desenvolver um corpo de trabalho geométrico, cheio de padrões e com alguns elementos antropomórficos.

Para o espaço da Rua Padre Joaquim Alves Correia, e sob o tema da multiculturalidade, propõem-se representar todas as pessoas, independentemente da sua raça ou da sua história de vida. Focando-se no crescimento pessoal, recorrem às plantas, seres que precisam de cuidados como todos nós. Também representamos muita geometria, que é a nossa linguagem, e porque gostamos de associar os sentimentos à lógica. No centro da composição podem encontrar-se smiles, que acabam por ser uma representação de pessoas sem raça, sem nenhuma cultura associada, sem religião. Representar determinada cultura é sempre redutor, por isso optámos por representar toda a gente. E a partir desses smiles do centro, a composição cresce para fora, mostrando que não somos todos iguais e que cada um cresce e evolui de formas diferentes, concluem.

Juan José Surace

(Argentina)

www.instagram.com/juanjosurace

O consagrado artista argentino Juan José Surace foi um dos vencedores do open call artista Muro Lx_21 e estreia-se agora em Portugal com a intervenção String Quartet, uma obra que fala de integração através da cultura, nomeadamente da música. Este lugar de encontro, diálogo e compreensão entre culturas mostra cinco animais de cinco continentes diferentes a tocarem um instrumento tradicional de cada região, revela. A ideia do mural, que tomará conta de uma empena de um edifício no Casal dos Machados, é mostrar que a música requer uma coordenação que fomenta o diálogo e o entendimento entre culturas. O meu desenho, por ser realista, aborda a questão da possível união e integração através da arte que, lamentavelmente, parece ser o único ponto de entendimento entre os povos, conclui.

A viver em Barcelona desde 1998, Juan José Surace começou a dedicar-se às intervenções em espaço público e ao muralismo em 2017. Os seus murais podem ser vistos em Espanha, Argentina, Itália, EUA, França e, a partir de agora, em Portugal.

André Silva aka Trafic

(Portugal)

www.andretrafic.com

Um dos pilares da Ponte Vasco da Gama está a cargo de André Trafic, artista urbano português cuja linguagem emerge, atualmente, entre murais, azulejos e esculturas. Para a sua composição, inspirou-se no conceito de flow, que marca muito a cultura urbana. Desde o flow de um rapper a rimar, de um b-boy ou b-girl a dançar, até ao flow de umas letras em graffiti, existem movimentos e ritmos que nos criam ressonâncias e provocam sentimentos maiores que nós e que são tão pessoais e únicos que se tornam difíceis de explicar. Tentei então interpretar estes movimentos e sentimentos abstratos para formar uma imagem que transmita um sentimento crescente de união, cumplicidade e respeito como forma de homenagem a toda esta cultura urbana vibrante, diversa e audaz, afirma.

Cada trabalho de André Trafic – que desde pequeno seguiu as pisadas do seu pai, ceramista, descobrindo anos mais tarde o poder de expressão artística do graffiti – é inspirado nas dinâmicas da existência humana, quer em relações interpessoais, quer na nossa relação com a natureza e com o espaço que nos rodeia.

No passado dia 9 de junho, o Museu de Lisboa-Palácio Pimenta apresentou ao público, pela primeira vez, a nova exposição de longa duração. A renovação do conteúdo museográfico era uma necessidade há muito sentida, como nos explicou Paulo Almeida Fernandes, um dos curadores responsáveis por esta operação. “A exposição anterior datava de 1979 e tinha sofrido apenas algumas renovações pontuais. Estava desatualizada em alguns conteúdos, sobretudo face ao crescente conhecimento arqueológico que temos sobre Lisboa, e também precisava de uma atualização museográfica.”

A nova exposição continua a ter como missão contar a história de Lisboa, mas foi enriquecida com novas incorporações, muitas delas resultantes das descobertas arqueológicas das últimas décadas, bem como com uma nova maneira de agregar e expor toda a informação entretanto recolhida. Aliás, leva a designação de Longa Duração e não de Permanente, justamente porque se pretende que seja periodicamente renovada e enriquecida com peças e conteúdos interpretativos.

Tem como título genérico Viagem ao Interior da Cidade, porque, segundo o curador, “Lisboa é uma cidade de dimensões urbanísticas sobrepostas, uma agregação, sobreposição e subtração, de muitos tempos históricos que nos antecederam.”

O percurso expositivo encontra-se agora dividido em três núcleos essenciais. O primeiro é dedicado à história de Lisboa, com uma linha cronológica que se inicia na pré-história e que se estende até às vésperas do Terramoto de 1755. A este núcleo foi acrescentada uma área inteiramente nova, dedicada aos Registos de Santos em azulejo, oriundos da grande coleção do acervo do Museu. O segundo núcleo, igualmente novo, chama-se Lisboa Cidade Cerâmica e aborda a importância que Lisboa teve como cidade produtora e consumidora de cerâmica. O terceiro é dedicado ao próprio edifício que alberga o museu, enquanto símbolo patrimonial de uma vivência aristocrática da capital, a partir do século XVIII.

Há ainda salas para exposições e projetos especiais temporários. Para Paulo Almeida Fernandes, o modo como os conteúdos são expostos é uma das características mais salientes do novo projeto. “A iluminação criteriosa e os conteúdos interativos dão às peças outros níveis de leitura. É uma forma de explicar como essas peças funcionavam no tempo e no espaço em que foram geradas”, sublinha.

A famosa maqueta de Lisboa pré-terramoto, peça icónica do museu, foi uma das que mais beneficiou com a aplicação de novas tecnologias de interatividade, passando a integrar vários níveis de informação em vídeo e 3D, incluindo projeções de geolocalização. “Houve um grande aproveitamento do projeto de 2010 de digitalização e de associação de conteúdos multimédia à grande maqueta de Lisboa. Pretendemos ampliar esses conteúdos, permitindo-nos explorar mais sobre as Lisboas que precederam a atual e de que muitas vezes não temos perceção.”

A equipa curatorial desta exposição de longa duração incluiu também António Miranda, Margarida Almeida Bastos, Fernando M. Peixoto Lopes e Lídia Fernandes.

O Último Banho teve como ponto de partida a história real do nascimento, quase milagroso, de um bebé do sexo masculino numa zona pouco povoada e envelhecida de Portugal. A este facto, o realizador aliou a religião ainda muito enraizada nestas localidades. A narrativa segue Josefina que está prestes a fazer os votos perpétuos, mas que tem de retornar à aldeia onde cresceu para o funeral do pai. O regresso a casa relembra-lhe o passado sombrio e leva-a ao reencontro com o jovem sobrinho, abandonado pela mãe, pelo qual é agora responsável. A adolescência do rapaz, a profunda religiosidade, o perigo de pecado e a ameaça do reaparecimento da irmã, são os desafios que tem que enfrentar.

O filme retrata uma realidade angustiante, difícil, esta vivência contrasta com a alegria associada à história real que serviu de ponto de partida (o nascimento de um bebé numa terra envelhecida). Como é que uma coisa levou à outra, qual a ligação?

Quase todos os meus filmes são uma combinação de várias histórias, ou pelo menos de duas histórias maiores que se combinam e entrelaçam. No entanto, a verdadeira génese deste trabalho foi o sentimento de solidão profundo que vivi quando estava em Inglaterra depois de ter terminado o mestrado. Sentia-me muito sozinho, estava desempregado, os meus companheiros de casa tinham as suas vidas e trabalho, os meus amigos estavam longe. A desolação que vivia levou-me a escrever uma história sobre a solidão. Assim nasceu a personagem de Josefina, uma freira que está prestes a fazer os votos perpétuos e que tem de regressar à sua terra natal, local que odeia, e que a remete para um passado traumático, para cuidar do sobrinho que não vê há anos. A personagem vive a angústia de deixar uma vida em que se sente confortável. Depois ocorreu-me uma história muito antiga, que tinha visto no início da adolescência e que me fascinou: o nascimento de um bebé numa terra onde não havia jovens. No entanto, embora este facto verídico sirva de ponto de partida, o filme não é sobre um nascimento singular, isso é algo que já aconteceu, que é anterior à história que estou a contar.

A narrativa decorre no Douro. A escolha do local foi influenciada pelo facto do David ser do Porto, ou teve outra motivação?

Há uma ligação intrínseca ao facto de eu ser do Porto, por outro lado o Douro tem tido uma enorme projeção, tendo inclusive sido classificado pela UNESCO como Património da Humanidade. A paisagem é incrível e quando fiz a repérage [o reconhecimento do local do filme] acordava todos os dias naquele lugar incrível, andava de carro por aquelas estradas de vales esculpidos, o que acabou por confirmar aquilo que eu já sabia inconscientemente: aquela paisagem enaltecia a sensação que eu queria que transparece-se no filme. Uma sensação de melancolia, solidão, de erotismo, de enviesado, de complexo. Visualmente aquela paisagem tem tudo isso. Há um mistério, uma beleza e um apaziguamento que não têm explicação e que traduzem aquilo que pretendo das duas personagens.

Como foi feita a escolha dos atores?

A Anabela era a atriz que já tinha em mente há algum tempo, e foi a primeira pessoa a quem pedi para vir ao casting, ela e a irmã, a Margarida Moreira, que faz de irmã da Josefina, a personagem principal. Em relação ao Martim, nunca pensei encontrar um rapaz como ele, com as características físicas que ele tem. Depois de várias pesquisas conseguimos descobri-lo através da True Sparkle, uma agência em Lisboa. Senti que me tinha saído a lotaria. Depois juntei-o com a Anabela num casting para ver se funcionavam em conjunto e percebi que sim – ali havia intimidade.

Como foi trabalhar com dois atores que estão em fases completamente distintas na carreira (a veterana Anabela Moreira e o estreante Martim Canavarro)?

Antes de começar o filme quis ter uma semana sozinho com os dois. Só lhes entreguei o guião muito tarde, porque queria que eles percebessem certas coisas. Estive uma semana em Santarém; primeiro, três dias com o Martim, e depois a Anabela juntou-se a nós. Houve várias conversas que me ajudaram a compreender as referências que ambos tinham sobre o filme e que permitiram conhecê-los melhor, as vivências que tinham tido, a relação com a religião… Descobri, por exemplo, que o Martim tinha vivido numa aldeia, que adorava desporto, no fundo que era um paralelo da personagem que ia interpretar, mas em versão feliz. A partir daí foi apenas necessário criar uma voz para o paralelo, ou seja para o Alexandre, que é a personagem interpretada pelo Martim.

E em relação às cenas de nudez, como foi para um estreante como o jovem Martim Canavarro lidar com essa exposição?

Abordei essa questão precisamente na semana em que estivemos a trabalhar a personagem. Estava preocupado com isso porque era muito importante para o filme ter esse lado visual da nudez, uma vez que é algo que está intrinsecamente ligado à história. Felizmente o Martim aceitou, com leveza, fazê-lo. Foram definidos alguns limites, mas no fim, o próprio Martim disse-me para aproveitar as melhoras cenas, independentemente de haver uma exposição mais explícita.

A sexualidade associada a uma certa transgressão, o desejo oprimido, a dualidade de sentimentos estão presentes neste filme, mas também nos seus trabalhos anteriores. Porque lhe interessa esta dimensão humana?

É o que me move, mas ao mesmo tempo acredito que é o que move o mundo: o desejo. O desejo intelectual e a curiosidade, mas também o desejo sexual, carnal. Somos feitos para ter desejo, é isso que permite a reprodução. Há o desejo, o cio nos animais, depois uma época, segue-se a crise e por fim a continuidade. O desejo e a atração são o motor da nossa continuidade. Instintivamente vou sempre parar a este tema, é algo que me fascina, que me faz questionar. Não o faço racionalmente, é uma coisa que surge de forma instintiva, que está ligada à emoção.

A estranheza instala-se de imediato quando se sabe que este é o primeiro trabalho de um autor e encenador que, até aqui, privilegiou sempre a capacidade plástica e musical das palavras, seja nos espetáculo que dirigiu com os seus próprios textos, seja nos de outros autores (como Martin Crimp ou Copi, por exemplo). Mas, neste insólito Hamster Clown, estamos perante um “Ricardo Neves-Neves”… sem texto.

“Na verdade, já andava há algum tempo com a vontade de trabalhar um espetáculo que assentasse, sobretudo, no lado plástico”, confidencia. Até que ao ver alguns vídeos e fotografias do performer e clown Rui Paixão, “que não conhecia pessoalmente”, Neves-Neves percebeu ter encontrado o parceiro perfeito para uma aventura onde “a transfiguração do corpo e do rosto” assumisse o protagonismo para contar “uma história sem palavras.”

Estamos, portanto, no campo do teatro físico onde, como explica Rui Paixão, “a escrita é radicalmente diferente”. “Aqui, as imagens é que são as palavras, o que leva quem vê a poder ampliar vários significados”, explicita, lembrando que Hamster Clown se situa “num território de grande liberdade conceptual e interpretativa, que permite pôr em cena todas as ideias possíveis e imaginadas.”

É essa liberdade que permite ao espetáculo assimilar incontáveis referências, que percorrem o non sense e o absurdo, tão caros ao teatro de Neves-Neves, e toda uma panóplia de citações plásticas e sonoras, algumas mais explícitas e assumidas que outras, que vão do universo retrofuturista a Lady Gaga, passando por uma multiplicidade de menções que incluem a estética drag (Juno Birch, RuPaul), a leitura quotidiana da pop art (Norman Rockwell), a K-Pop, o cinema de terror (o ulular da coruja ou a luta com um polvo) ou até a escultura renascentista e a pintura de Hyeronimous Bosch.

E tudo começou, como explica Rui Paixão, com a ideia proposta por Neves-Neves de “um hamster que vive dentro da gaiola e consegue escapar”. É a partir da fuga que começa o espetáculo. Através de um “longo e experimental” processo de trabalho, a dupla de criadores desenhou um personagem que assume formas distintas, que o levam do hámster que quer ser humano, ou vice-versa, à figura andrógina ou ao monstro alienígena – notáveis trabalhos de caracterização de Cristovão Neto e de figurinos de Rafaela Mapril.

O que se torna simultaneamente estranho e fascinante em Hamster Clown é a inexistência de limites temporais ou espaciais que possam impedir a fluência da imaginação – previamente, a dos artistas; posteriormente, a nossa enquanto espectadores. A partir do momento em que aquela figura antropomórfica sai da gaiola, começa a aventura de, nós mesmos, sermos colocados permanentemente “fora da caixa”.

Hamster Clown estreia a 23 de junho no São Luiz Teatro Municipal, onde permanecerá em cena até 4 de julho, seguindo depois para Loulé (16 a 18 de julho), Ovar (30 de julho), Odivelas (15 a 17 de outubro), Braga e Ílhavo (em datas a anunciar).

Lançou, recentemente, o disco Zeca, onde homenageia a obra de Zeca Afonso. Era um desejo antigo gravar este disco de tributo?

De certa forma sim, porque a música do Zeca está presente na minha vida desde a infância. O projeto estava lá de forma inconsciente, até que, há dois anos, num almoço com amigos onde estava o Fausto, estávamos a falar sobre o Zeca, e o Fausto lançou-me este desafio. Perguntou-me porque é que eu não gravava um disco dedicado à obra do Zeca. Aquilo serviu como uma espécie de catalisador, e foi a partir daí que a ideia ganhou forma.

Foi difícil fazer a seleção das músicas?

Não posso dizer que tenha sido difícil. Eu queria gravar melodias fortes. As músicas do Zeca não são muito complexas nem muito estruturadas, vivem muito da força das palavras e da força das melodias. Como, neste caso, eu não iria trabalhar sobre as palavras, tive de escolher aquelas melodias que são mais emblemáticas.

Como disse, as músicas de Zeca Afonso vivem muito das letras. Foi um desafio reinterpretar alguns dos seus maiores clássicos?

As melodias são tão fortes que sobrevivem às palavras. Por outro lado, tive a preocupação de produzir temas que “guitarristicamente” fossem interessantes. Havia esse fator, de querer tornar as músicas o mais complexas possível, dentro da elegância das suas composições, das suas melodias. Tornar estas versões objetos guitarrísticos complexos.

Este disco pode, de alguma forma, ter aberto a porta a outros discos de homenagem a cantautores portugueses?

Como instrumentista que sou, estou sempre interessado em transpor a música para a minha guitarra, mesmo quando se trata de música de outros artistas. Claro que já pensei “porque não?” Um dia, quem sabe, fazer versões instrumentais (muito personalizadas, é claro) do Fausto ou do Sérgio Godinho ou de outros autores portugueses contemporâneos. Pessoas que tiveram um peso enorme na música portuguesa.

A pandemia afastou os músicos dos palcos. Como viveu este período?

Passei os últimos 15 anos em perfeita loucura de viagens e de tournées. A pandemia trouxe uma mudança radical à minha vida. Vi-me na contingência de ficar em casa e descobri os pequenos prazeres de não andar sempre a viajar, sempre a fazer concertos e a dormir mal, cada noite num hotel, a perder milhares de horas em aeroportos… pode parecer um pouco egoísta dizer isto, mas, de certa forma, esta paragem forçada não foi nada má. Claro que a pandemia foi terrível para os profissionais da cultura, que ficaram sem trabalho e cujo rendimento desapareceu, mas as nossas vidas são feitas também disto. Não sei se vamos conseguir tirar alguma lição daqui… Já tive mais fé na nossa capacidade de aprender com os erros, mas cá estamos, prontos para seguir em frente.

Está muito ansioso por atuar na Culturgest?

Desde que o último desconfinamento começou, já regressei aos palcos para dar alguns concertos. Tinha uma tremenda saudade, claro. Nós, músicos – instrumentistas e cantores -fomos feitos para estar em cima de um palco, para podermos mostrar o nosso trabalho.

Neste concerto, para além de tocar temas do último álbum, vai também tocar versões de músicas de Carlos Paredes e Armandinho, bem como originais seus. Sente maior responsabilidade em mostrar os seus originais ou as versões que faz de outros músicos?

Sinto sempre mais responsabilidade ao interpretar a música de outros, nomeadamente do Zeca, que é um autor tão conhecido e que desperta tanta paixão em todos nós. Não me sinto nem intimidado nem pressionado, para mim é um prazer subir a um palco e tocar estas canções do Zeca na minha guitarra.

Estará acompanhado pelo percussionista José Salgueiro. É mais fácil subir ao palco com alguém cujo trabalho se admira?

Sinto enorme prazer em tocar a solo porque a guitarra é um instrumento que permite isso, é um pequeno mundo harmónico, uma pequena orquestra [risos], mas também tenho o maior prazer em fazer concertos com outros músicos, nomeadamente com o José Salgueiro, meu grande companheiro de há muitos anos. Respeitamo-nos muito, cada um tem o seu espaço a ouvir o outro. Conseguimos trabalhar o silêncio também, que é uma coisa fundamental.

É considerado uma das maiores referências da guitarra em Portugal. De que forma encara esse título?

Não atribuo a menor importância a isso. Cada músico é o que é, e essa ideia de ser um dos melhores não me diz rigorosamente nada. Cada músico tem a sua história, vive a música da sua forma e com a sua intensidade. Claro que gosto de ter o respeito dos meus pares e do público, mas a única coisa que quero é poder continuar a fazer música.

Depois das devidas apresentações em palco de Zeca, há projetos para breve?

Estou sempre a pensar em coisas novas. Aliás, não só estou a pensar, como estou a trabalhar nelas há bastante tempo. 2021 é o ano de regresso aos palcos e de voltar a respirar. 2022 será um ano para gravar música nova.

Quer deixar uma sugestão cultural aos leitores da Agenda?

Vou deixar uma sugestão literária, um livro do fantástico José Augusto França, grande historiador de arte e grande olisipógrafo. Chama-se Lisboa – História Física e Moral e é uma resenha histórica e artística da cidade de Lisboa desde o tempo dos fenícios até ao sec. XXI. É uma obra completa a todos os níveis, uma delícia de ler.